Jogando Com a Sorte (1974) California Split - 1 h 48 min

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

Quando um jogador casual faz amizade com um jogador profissional, ele começa a espelhar sua vida, enviando ambos mais profundamente para o mundo do jogo, onde as apostas continuam a subir.

Jogando Com a Sorte (1974) - IMDb
Dir: Robert Altman

Comédia, Drama

MEGA 1

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,1   METASCORE: 8,5

FLICK METRIX: 75   Average Percentile: 69.08%

87%Tomatometer31 Reviews   83%Popcornmeter

A Vida como Aposta

Dois homens se lançam ao jogo — e descobrem que ganhar ou perder importa menos do que continuar apostando.

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Errância e Companheirismo

Em Jogando com a Sorte, Robert Altman acompanha dois jogadores compulsivos que atravessam cassinos, bares e hipódromos em uma jornada sem destino claro. Mais do que sobre o jogo, o filme é sobre a relação entre esses dois homens — uma amizade feita de impulsos, excessos e uma cumplicidade instável. A narrativa se constrói de forma solta, acompanhando o fluxo da experiência em vez de impor um arco dramático convencional.

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O Caos como Método

Altman transforma o universo do jogo em extensão de sua própria linguagem: imprevisível, fragmentada e ruidosa. Diálogos sobrepostos, cenas aparentemente dispersas e uma estrutura episódica criam a sensação de que tudo está sempre à beira do descontrole. O acaso não é apenas tema, mas princípio organizador — tanto na vida dos personagens quanto na forma do filme.

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Recepção e Reavaliação

Embora não tenha alcançado o mesmo impacto imediato de outros títulos da década de 1970, Jogando com a Sorte foi bem recebido pela crítica, especialmente pela naturalidade das atuações e pela abordagem anti-espetacular do universo dos jogos. Com o tempo, passou a ser reconhecido como uma das obras mais autênticas de Altman, destacando-se por sua liberdade formal e por seu retrato honesto da compulsão e da amizade.

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Entre Fascínio e Rejeição

Os índices de recepção indicam uma obra consistentemente apreciada, embora mais discreta em comparação aos grandes marcos da carreira do diretor. Em plataformas gerais, mantém avaliações sólidas, refletindo respeito crítico e boa aceitação do público. Já em ambientes mais cinéfilos, como Flick Metrix e Criticker, o filme tende a ser ainda mais valorizado, sobretudo por sua abordagem livre e sua recusa de clímax tradicionais. Isso sugere que encontra maior ressonância entre espectadores interessados em personagens errantes e narrativas abertas, enquanto pode frustrar aqueles que esperam uma progressão dramática clara ou a tensão típica dos filmes sobre jogos de azar.

 

Muppets: O Filme (1979) The Muppet Movie - 1 h 35 min

Mostra Orson Welles: Um Homem, Muitos Palcos

Kermit e seus novos amigos viajam pela América para encontrar sucesso em Hollywood, mas um comerciante de pernas de sapo persegue Kermit.

Muppets: O Filme (1979) - IMDb
Dir: James Frawley

Aventura, Comédia Peculiar, Missão, Road Movie, Família, Musical

Onde assistir online

MEGA 3

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,6   METASCORE: 7,4

89%Tomatometer53 Reviews   88%Popcornmeter

Uma comédia musical que celebra o sonho artístico como jornada improvável, onde o fracasso é apenas etapa do espetáculo.

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A Estrada como Promessa

Muppets: O Filme estrutura-se como road movie leve e autorreflexivo, em que personagens partem em direção a Hollywood movidos por uma crença quase infantil no sucesso. A estrada não representa apenas deslocamento geográfico, mas a ideia de que o sonho artístico exige movimento constante, encontros fortuitos e perseverança diante do improvável.

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O Espetáculo que Assume o Artifício

O filme abraça seu caráter performático sem disfarce. Bonecos contracenam com atores humanos, músicas interrompem a narrativa e a própria feitura do cinema é comentada em tom bem-humorado. Essa transparência transforma o artifício em parte da magia: a ilusão funciona justamente porque sabemos que é construída.

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O Sonho como Comunidade

Diferente das trajetórias individuais clássicas de ascensão, aqui o sonho é coletivo. O sucesso não pertence a um protagonista isolado, mas ao grupo que insiste em permanecer unido. O filme sugere que a verdadeira conquista não é a fama, mas a possibilidade de criar junto.

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A Aparição como Selo Teatral

Na participação especial de Orson Welles, a figura do produtor hollywoodiano surge como caricatura elegante do poder industrial. Welles aparece brevemente, emprestando sua voz grave e sua presença icônica ao universo lúdico dos Muppets. Sua intervenção funciona como selo irônico: o grande nome do cinema legitimando um espetáculo assumidamente fantástico.

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A Fama como Final Feliz Consciente

O desfecho não busca realismo, mas celebração. A conquista do contrato cinematográfico é apresentada como culminação natural da persistência, ainda que envolta em humor autorreferente. O filme reafirma o valor do sonho mesmo quando reconhece sua dimensão fabricada.

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Recepção e Legado

Lançado com enorme sucesso de público, The Muppet Movie foi amplamente elogiado por seu humor inteligente, canções marcantes e capacidade de dialogar tanto com crianças quanto com adultos. Tornou-se clássico imediato do cinema familiar e consolidou os Muppets como fenômeno cultural global. A participação de Orson Welles, embora breve, permanece memorável como encontro improvável entre o ícone do cinema moderno e o universo lúdico de Jim Henson. Hoje, o filme é lembrado não apenas como entretenimento nostálgico, mas como celebração metalinguística do próprio ato de fazer cinema — um palco onde todos, inclusive Welles, aceitam brincar com a ilusão.

A Hora do Amor (1971) The Touch - 1 h 55 min

Mostra O Cinema de Ingmar Bergman

Uma dona de casa sueca começa um caso com um arqueólogo estrangeiro. Mas ele é um homem emocionalmente ferido, um sobrevivente do campo de concentração judeu, por isso seu relacionamento será dolorosamente difícil.

A Hora do Amor (1971) - IMDb
Direção e Roteiro: Ingmar Bergman

Drama

MEGA 3

MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 6,3

64%Tomatometer25 Reviews   38%Popcornmeter

O Corpo Como Última Promessa de Verdade

A Hora do Amor (The Touch, 1971) marca uma inflexão singular na obra de Ingmar Bergman, ao deslocar o conflito existencial e metafísico para o terreno cru da experiência corporal, do desejo e da comunicação íntima — um filme em que tocar torna-se tentativa desesperada de existir.

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Um Triângulo Afetivo em Estado de Exposição

A narrativa acompanha uma mulher casada que inicia um relacionamento com um homem estrangeiro, instaurando um triângulo amoroso no qual nenhum dos vértices oferece estabilidade emocional. Bergman evita o melodrama tradicional e constrói a relação como processo gradual de desgaste, em que o amor não surge como revelação, mas como tensão acumulada entre expectativa, frustração e necessidade de contato.

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Desejo Sem Redenção

Em A Hora do Amor, o erotismo não conduz à libertação. O sexo aparece como gesto ambíguo: aproxima corpos, mas não garante entendimento; intensifica a presença, mas não cura a solidão. Bergman desmonta a ideia de que a paixão seja caminho de autenticidade, sugerindo que o desejo pode aprofundar o isolamento quando não encontra linguagem emocional compartilhada.

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Comunicação Que Falha, Mesmo no Toque

O filme investiga a falência da comunicação em um nível radical: mesmo quando os corpos se encontram, a compreensão não se estabelece. O toque, que deveria ser ponte, transforma-se em evidência do abismo entre as pessoas. Bergman filma a intimidade com desconforto deliberado, enfatizando a vulnerabilidade e o risco envolvidos em se expor ao outro.

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Um Cinema Mais Cru, Mais Direto

Formalmente, A Hora do Amor adota uma encenação menos alegórica e mais frontal do que os filmes da década anterior. A câmera se aproxima dos rostos e dos gestos, os diálogos são diretos, e o tom geral é de franqueza emocional quase dolorosa. Essa opção estética sinaliza a transição para a Fase 4 – Maturidade psicológica e dramas conjugais, em que Bergman passa a dissecar relações com precisão quase clínica.

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Amor, Culpa e Responsabilidade Emocional

Bergman desloca o foco do pecado metafísico para a responsabilidade afetiva. A culpa aqui não deriva da transgressão moral, mas do impacto emocional causado ao outro. Amar torna-se um ato ético arriscado, que exige consciência das feridas abertas e das expectativas que se cria — muitas vezes sem poder sustentá-las.

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O Filme na Obra de Ingmar Bergman

The Touch ocupa um lugar de transição na filmografia de Bergman: é o elo entre a radicalização formal dos anos 1960 e a investigação minuciosa das relações conjugais dos anos 1970. Ao situar o drama no corpo e no cotidiano, o filme prepara o terreno para obras como Cenas de um Casamento, onde a violência emocional substitui definitivamente o conflito metafísico.

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Um Filme Inquieto e Desconfortável

Recebido com reações divididas, especialmente por sua franqueza sexual e tom emocionalmente áspero, A Hora do Amor permanece como uma obra inquieta e necessária. Longe de oferecer consolo, o filme afirma uma ideia central do Bergman maduro: o amor não salva — mas revela, e aquilo que revela nem sempre é suportável.

A Outra História Americana (1998) American History X - 1 h 59 min

Mostra Filmes Live Action do IMDB Top 250 - #42

Um neonazista tenta evitar que seu irmão mais novo tome o mesmo caminho errado que ele.

A Outra História Americana (1998) - IMDb

Dir: Tony Kaye

Drama Político, Drama Prisional, Drama Psicológico, Tragédia, Crime

Onde assistir online

MEGA 3

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 8,5   METASCORE: 6,2

84%Tomatometer88 Reviews   96%Popcornmeter

Um retrato brutal do ódio e da possibilidade de ruptura

A Outra História Americana (American History X), dirigido por Tony Kaye, é um dos filmes mais incisivos já realizados sobre racismo, violência e radicalização ideológica nos Estados Unidos. Ao confrontar o espectador com imagens duras e discursos extremistas, o filme não busca conforto moral, mas expõe os mecanismos que transformam frustração, medo e ressentimento em ódio organizado.

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Derek Vinyard e a sedução da ideologia

Derek Vinyard surge como líder carismático de um grupo neonazista, articulado, violento e convicto de sua visão de mundo. Interpretado por Edward Norton, o personagem não é apresentado como uma anomalia isolada, mas como produto de um ambiente social marcado por desigualdade, luto mal elaborado e discursos simplificadores. Sua retórica extrema encontra eco justamente por oferecer respostas fáceis a problemas complexos.

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Danny e o perigo da herança do ódio

A narrativa é estruturada a partir do olhar de Danny, o irmão mais novo, que idolatra Derek e começa a repetir seus discursos e gestos. Essa relação revela como o extremismo se perpetua de forma doméstica, quase pedagógica. O filme evidencia que o ódio não nasce espontaneamente: ele é aprendido, transmitido e reforçado por figuras de referência.

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Prisão, desilusão e confronto com a realidade

A experiência de Derek na prisão funciona como ponto de inflexão da narrativa. Longe da mitologia heroica que sustentava sua ideologia, ele entra em contato com a violência crua, a hipocrisia dos grupos extremistas e a complexidade humana que havia se recusado a enxergar. A convivência forçada e a traição interna corroem suas certezas, abrindo espaço para a dúvida e a mudança.

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Estrutura narrativa e choque visual

O uso alternado de cenas em preto e branco e em cores não é apenas estilístico, mas simbólico. O passado, marcado pelo radicalismo e pela violência explícita, surge em contraste com o presente, onde a reflexão e o arrependimento ganham espaço. Essa estrutura reforça a ideia de ruptura — não apenas temporal, mas moral.

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Violência sem catarse

A Outra História Americana recusa qualquer glamourização da violência. As cenas mais chocantes são filmadas de forma seca, quase clínica, justamente para impedir o distanciamento confortável do espectador. O choque não serve como espetáculo, mas como acusação direta à lógica de desumanização que sustenta o racismo.

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Educação, linguagem e responsabilidade

A figura do professor que desafia Danny a repensar seus valores introduz o tema da educação como ferramenta de resistência. O filme sugere que palavras moldam mundos — e que discursos de ódio não são apenas opiniões, mas forças capazes de produzir consequências irreversíveis. A responsabilidade individual diante do que se diz e se ensina é central para a mensagem da obra.

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Redenção como processo, não garantia

Embora apresente a possibilidade de mudança, o filme evita um arco redentor simplista. A transformação de Derek é dolorosa, incompleta e marcada por culpa. O passado não pode ser apagado, e o ódio disseminado gera efeitos que escapam ao controle individual. A redenção, quando possível, exige ruptura, escuta e responsabilidade contínua.

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Impacto e permanência incômoda

American History X permanece atual justamente por sua recusa em oferecer respostas fáceis. Em tempos de polarização e radicalização renovadas, o filme continua sendo um alerta sobre como o extremismo se infiltra no cotidiano e se legitima pelo silêncio ou pela indiferença. Sua força está no incômodo que provoca — e na lembrança de que romper ciclos de ódio é possível, mas nunca simples, rápido ou indolor.

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O Perigoso Adeus (1973) The Long Goodbye - 1 h 52 min

MOSTRA FILMES NEO-NOIR

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

O investigador particular Philip Marlowe ajuda um amigo a sair de uma encrenca, mas ao fazer isso acaba implicado no assassinato de sua esposa.

O Perigoso Adeus (1973) - IMDb

Dir: Robert Altman

Neo-noir, Detetive Obstinado, Comédia, Crime, Drama, Mistério, Suspense

Onde assistir

MEGA 2

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,5   METASCORE: 8,7

FLICK METRIX: 8,1   Average Percentile: 68.97%

95%Tomatometer57 Reviews   87%Popcornmeter

O Perigoso Adeus (1973): O Noir Derretido na Melancolia dos Anos 70

Dirigido por Robert Altman, O Perigoso Adeus (The Long Goodbye) é uma das mais radicais reinterpretações do detetive particular no cinema. Tomando como base o romance de Raymond Chandler, Altman não adapta simplesmente a história — ele dissolve o noir clássico dentro do desencanto típico dos anos 1970, criando um filme irônico, melancólico e profundamente consciente de seu próprio gênero.

O detetive Philip Marlowe, interpretado por um extraordinário Elliott Gould, é aqui um homem deslocado, um sobrevivente dos anos 40 jogado em uma Los Angeles que já não reconhece. O Marlowe de Gould é:

• desgrenhado,
• gentil,
• sempre murmurando para si mesmo,
• moralmente teimoso,
• anacrônico — fora do tempo e do lugar.

Sua estranheza dá o tom do filme: um noir que se passa depois que a inocência acabou e depois que a dureza virou pose.

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Um noir sem sombras — mas cheio de fantasmagorias

Altman recusa o visual de alto contraste do noir clássico e filma Los Angeles como um espaço baço, enevoado, quase sempre iluminado demais. Não há sombras profundas, mas há uma névoa moral constante:

• casas em encostas ensolaradas,
• mercados 24 horas,
• festas decadentes,
• clínicas de reabilitação,
• e escritórios que parecem cenários de sonhos entediados.

O noir aqui é menos visual do que psicológico: uma atmosfera de alienação, de pessoas que se movem sem convicção, de um mundo sempre prestes a esquecer o que estava acontecendo minutos antes.

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A investigação como pretexto para revelar a falência dos laços humanos

A trama acompanha Marlowe enquanto tenta ajudar seu amigo Terry Lennox, acusado de assassinar a própria esposa. No processo, o detetive se envolve com personagens quebrados:

• a mulher fatal que já não seduz,
• o escritor alcoólatra (Sterling Hayden) que destrói tudo à volta,
• gângsteres ridículos e perigosos,
• milionários que compram verdade e mentira em doses iguais.

O principal interesse de Altman não é o mistério — é a desconexão emocional que consome todos esses personagens. Marlowe é o único que ainda acredita em amizade e lealdade — e justamente por isso é o mais vulnerável.

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O estilo Altman: improviso, caos e humanidade profunda

A marca deAltman está em todo o filme:

• diálogos sobrepostos,
• cenas aparentemente soltas,
• câmera que observa sem julgar,
• humor ácido,
• ritmo flutuante,
• cortes que ignoram convenções.

O resultado é um noir filtrado pela estética do cinema independente dos anos 1970, onde tudo parece casual, mas tudo é minuciosamente construído.

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Elliott Gould: o Marlowe definitivo pós-moderno

Gould cria um Marlowe que não se encaixa em nenhuma geração:

• não é duro o suficiente para os anos 40,
• não é cínico o suficiente para os anos 70.

É um sujeito que insiste em dizer: “It’s okay with me.”
Mas o bordão, repetido como mantra, revela o contrário: ele está absolutamente perdido em um mundo indiferente.

Esse Marlowe é uma das figuras mais gentis e tristes do noir moderno.

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O final: o adeus mais longo — e mais brutal

O desfecho do filme é um dos mais comentados da filmografia de Altman. Sem entregar spoilers, basta dizer que ele:

• rompe completamente com Chandler,
• transforma Marlowe em algo que nunca foi,
• sepulta qualquer ideal romântico sobre o detetive,
• e sintetiza a desesperança moral dos anos 70.

É o fim do detetive clássico, visto pelos olhos da contracultura e do desencanto pós-Vietnã.

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Conclusão

O Perigoso Adeus é um dos maiores neo-noirs já realizados — um filme que desconstrói o noir ao mesmo tempo em que o homenageia, oferecendo um retrato melancólico de um homem que acreditava em códigos num mundo que já não tem códigos.
É um neon noir que virou espelho de uma era inteira.

Elegante, triste, irônico e absolutamente singular, The Long Goodbye permanece como obra-prima de Robert Altman e como reinvenção definitiva de Philip Marlowe.

M*A*S*H (1970) MASH - 1 h 56 min

CANNES PALMA DE OURO

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

MASH é uma comédia satírica de humor negro que segue uma equipe de médicos e funcionários estacionados em um hospital cirúrgico móvel do exército durante a Guerra da Coréia. O filme destaca os absurdos da guerra por meio de humor e histórias baseadas em personagens, mostrando os desafios e a camaradagem entre a equipe médica enquanto lidam com o fluxo constante de soldados feridos.

M*A*S*H (1970) - IMDb

Dir: Robert Altman

Comédia de Humor Negro, Sátira, Drama, Guerra

Onde assistir

MEGA 2

MP4 / SD / LEG: Português

IMDB: 7,3   METASCORE: 8,0

FLICK METRIX: 76   Average Percentile: 60.29%

86%Tomatometer58 Reviews   82%Popcornmeter

M*A*S*H (1970)

Roteiro: Ring Lardner Jr. (baseado no romance de Richard Hooker)
Elenco: Donald Sutherland, Elliott Gould, Tom Skerritt, Sally Kellerman, Robert Duvall

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🌟 Um marco do humor irreverente e antiestablishment da New Hollywood

M*A*S*H é uma das comédias mais importantes e influentes da história do cinema americano. Lançado em plena Guerra do Vietnã, o filme usa a Guerra da Coreia como cenário para criticar, de maneira indireta e sarcástica, o militarismo, a burocracia, o absurdo institucional e o próprio trauma da guerra.

Com linguagem inovadora, improviso e um humor agressivo e anárquico, M*A*S*H catapultou Robert Altman ao centro da New Hollywood, tornando-o um dos diretores mais autorais do período.

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🎬 Enredo

A história acompanha três cirurgiões do exército estacionados em um hospital de campanha durante a Guerra da Coreia:

• Hawkeye Pierce (Donald Sutherland)
• Trapper John (Elliott Gould)
• Duke Forrest (Tom Skerritt)

Eles salvam vidas sob condições extremas, enquanto tentam sobreviver emocionalmente ao horror do campo de batalha. A forma que encontram?

👉 Sarcasmo, festas, álcool, irreverência, jogo sujo e caos controlado.

Em uma sucessão de episódios — mais do que uma narrativa linear — vemos:

• operações cirúrgicas sangrentas e naturalistas
• apostas, brincadeiras e humilhações
• conflitos com militares rígidos e moralistas
• comentários ácidos sobre a guerra, religião e poder

O filme se estrutura como uma série de esquetes entrecortadas, culminando em um jogo de futebol americano totalmente fora de tom — e propositalmente absurdo.

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🎥 Estilo e Inovações de Robert Altman

1. Diálogos sobrepostos

Uma das marcas registradas de Altman:
os personagens falam simultaneamente, criando um ambiente naturalista e caótico.
Era algo extremamente novo para um filme de estúdio.

2. Improvisação

Grande parte do humor surge do improviso dos atores, incentivado por Altman.

3. Sátira cruel

O filme ataca:

• o patriotismo vazio
• a ineficiência militar
• o moralismo
• a hipocrisia religiosa
• o absurdo das instituições

Tudo com humor negro, muitas vezes desconfortável.

4. Realismo sujo nas cenas cirúrgicas

As operações são mostradas com naturalismo chocante para a época, criando um contraste forte com o humor caótico.

5. Estrutura episódica

Sem uma trama tradicional, o filme é quase um mosaico — característica que Altman exploraria em obras posteriores (Nashville, Short Cuts).

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🔍 Temas Principais

• Absurdo da guerra
• Anti-autoritarismo
• Crítica à instituição militar
• Caos como mecanismo de sobrevivência
• Amoralidade e cinismo
• Camaradagem e desespero
• A fronteira tênue entre humor e horror

M*A*S*H é, em essência, uma obra profundamente antibélica — ainda que jamais declare isso explicitamente.

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🏆 Impacto, Recepção e Legado

• Palma de Ouro em Cannes (1970)
• Indicado a 5 Oscars (venceu Melhor Roteiro Adaptado)
• Sucesso estrondoso de crítica e público
• Inspirou a famosa série televisiva M*A*S*H (1972–1983), ainda mais popular
• Consolidou Robert Altman como um dos maiores diretores da New Hollywood
• Tornou-se referência eterna de humor subversivo e sátira política

Além disso, abriu caminho para outros filmes audaciosos dos anos 1970 com espírito crítico e estrutura anti-hollywoodiana.

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🎯 Conclusão

M*A*S*H é um dos filmes que melhor representa o espírito rebelde, experimental e anti-establishment da New Hollywood. Ele equilibra brutalidade e humor anárquico para retratar a insanidade da guerra — um filme tão engraçado quanto cruel, tão improvisado quanto preciso, tão caótico quanto humano.

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