Anjo Perverso (1949) Manon - 1 h 40 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Um conto clássico sobre relacionamentos amargos entre uma garota frívola e um soldado é adaptado para o período pós-Segunda Guerra Mundial.

Anjo Perverso (1949) - IMDb
Dir: Henri-Georges Clouzot

Crime, Drama

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MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 6,8

50%Tomatometer6 Reviews   70%Popcornmeter

Anjo Perverso (Manon) é um drama trágico dirigido por Henri-Georges Clouzot que atualiza o mito literário de Manon Lescaut para o mundo devastado do pós-Segunda Guerra. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1949, o filme inaugura simbolicamente o ciclo moderno do prêmio máximo veneziano, unindo melodrama, crítica moral e desencanto histórico.

Um mito reescrito após a catástrofe

Clouzot transporta a história clássica de Manon para a França ocupada e o imediato pós-guerra. A protagonista surge como sobrevivente ambígua, ligada a colaboracionistas e ao mercado negro — não por perversidade abstrata, mas por instinto de sobrevivência. O amor entre Manon e Robert nasce contaminado por esse contexto: não há inocência possível em um mundo em ruínas.

Amor como dependência

Diferente do romantismo trágico tradicional, Anjo Perverso retrata o amor como força corrosiva, marcada por manipulação, desejo e submissão. Robert ama Manon até a autodestruição; Manon ama a segurança que ele oferece. Clouzot evita julgamentos fáceis: ambos são produtos de um tempo em que valores foram corroídos e a moral perdeu estabilidade.

Cinismo e lucidez

Conhecido por seu olhar implacável, Clouzot filma o pós-guerra sem redenção. A sociedade que pune Manon é a mesma que se beneficiou do oportunismo durante a ocupação. O filme expõe o cinismo coletivo de um mundo que busca culpados individuais para ocultar culpas estruturais.

Forma clássica, amargura moderna

A mise-en-scène é rigorosa, com fotografia contrastada e narrativa linear que reforça o peso do destino. O melodrama não busca comoção fácil: cada decisão empurra os personagens para um beco sem saída. O célebre desfecho no deserto transforma a paixão em agonia física, reduzindo o mito amoroso a exaustão e morte.

Manon: vítima ou predadora?

Clouzot mantém a ambiguidade até o fim. Manon é egoísta e frágil, sedutora e desesperada. Ela encarna uma pergunta central do pós-guerra: é possível exigir pureza moral de quem sobreviveu ao colapso ético? O filme não responde — expõe.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar Anjo Perverso, Veneza reconheceu:

• a capacidade do cinema de reler mitos clássicos à luz da História recente;
• um retrato sem ilusões do pós-guerra europeu;
• a força de um melodrama que se recusa a consolar.

👉 Anjo Perverso é um filme sobre amar quando a moral já não sustenta o mundo. Um Leão de Ouro inaugural que afirma o cinema como espaço de desencanto lúcido — onde paixão e sobrevivência se confundem, e a tragédia nasce menos do destino do que do tempo histórico vivido.

O Direito de Matar (1950) Justice est faite - 1 h 45 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Mostra Festival de Berlim: A Linhagem do Urso de Ouro

Elsa Lundenstein é acusada de ter assassinado seu amante. O júri discute o caso de forma vívida. Todos os membros são de alguma forma preconceituosos por causa da experiência pessoal da vida e, consequentemente, cada membro interpreta algo diferente nos fatos apresentados.

O Direito de Matar (1950) - IMDb
Dir: André Cayatte

Drama, Mistério

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MP4 / SD+ / LEG: Inglês e português traduzido

IMDB: 7,1

 

O Direito de Matar (Justice est faite) é um drama judicial dirigido por André Cayatte que transforma o tribunal em arena ética, interrogando os limites da lei quando confrontada com a consciência individual. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1950, o filme inaugura a vertente mais conhecida de Cayatte: o cinema de tese, comprometido com o debate moral.

Julgar é decidir sobre vidas

A trama acompanha um julgamento em que uma mulher é acusada de matar o marido — e, sobretudo, o processo mental do júri, composto por cidadãos comuns. Cayatte desloca o foco do crime para o ato de julgar: não importa apenas o que ocorreu, mas como cada jurado interpreta fatos, intenções e valores. A justiça aparece como construção humana, sujeita a preconceitos, experiências pessoais e convicções morais.

Lei versus consciência

O filme coloca em tensão dois regimes: a legalidade, com suas normas e procedimentos, e a legitimidade, fundada na consciência. Ao expor divergências entre os jurados, Cayatte revela que a aplicação da lei nunca é neutra. O tribunal torna-se espelho da sociedade: gênero, classe, religião e moral privada atravessam o veredito.

Realismo funcional

A encenação é sóbria e direta. Planos claros, diálogos precisos e economia de recursos mantêm a atenção no argumento. Não há espetáculo da violência; há exame das razões. Essa contenção reforça o caráter didático sem empobrecer a complexidade do debate, fazendo do filme um precursor de muitos dramas judiciais posteriores.

Um cinema que provoca

O Direito de Matar não oferece respostas confortáveis. Ao final, a sensação é de desconforto produtivo: a justiça foi feita? E para quem? Cayatte propõe o cinema como espaço público de reflexão, capaz de colocar o espectador no lugar do jurado — alguém que precisa decidir sabendo que toda decisão é falível.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar Justice est faite, Veneza reconheceu:

• a emergência de um cinema explicitamente ético, voltado ao debate social;
• a clareza formal a serviço de questões complexas;
• a coragem de questionar a autoridade da lei sem relativizá-la por completo.

👉 O Direito de Matar é um filme sobre o peso de decidir em nome da justiça. Um clássico do pós-guerra que permanece atual por lembrar que nenhuma sentença é puramente técnica — toda justiça é feita por pessoas, e por isso carrega as marcas do humano.

 

O Invencível (1956) Aparajito - 1 h 50 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

O Invencível é a segunda parte da série de filmes Bengalis sobre um rapaz de nome Apu que obtém uma bolsa de estudo para frequentar um colégio em Calcutá. A mãe dele está só e dividida entre querer que ele tenha sucesso e não querer que ele a deixe só.

O Invencível (1956) - IMDb
Dir: Satyajit Ray

Tragédia, Amadurecimento, Drama

Onde assistir online

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MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 8,2

96%Tomatometer25 Reviews   92%Popcornmeter

O Invencível (Aparajito) é o segundo capítulo da Trilogia de Apu, dirigido por Satyajit Ray, e uma das obras mais sensíveis já feitas sobre crescimento, perda e emancipação. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1957, o filme consolida Ray como um dos grandes humanistas do cinema mundial.

Crescer é separar-se

Após a morte do pai, Apu e a mãe deixam o vilarejo e se mudam para a cidade. O deslocamento espacial inaugura o conflito central do filme: o crescimento exige ruptura. Apu descobre o estudo, a curiosidade intelectual e a promessa de um futuro diferente; a mãe, presa ao mundo doméstico e à memória, percebe lentamente a distância que se abre entre ambos. Ray filma esse processo sem antagonismos explícitos: ninguém está errado — o tempo é que avança.

A educação como ambivalência

Em O Invencível, a educação é libertadora e cruel. Ela oferece a Apu uma saída, mas cobra um preço afetivo alto. O filme evita celebrar a ascensão individual como vitória plena: o aprendizado vem acompanhado de culpa e abandono involuntário. A modernidade não aparece como inimiga, mas como força que reorganiza laços e impõe escolhas.

Mãe e filho: o centro moral

O coração do filme é a relação entre Apu e sua mãe. Ray constrói esse vínculo por gestos mínimos — olhares, silêncios, esperas — e recusa o melodrama. A dor materna não é exibida; é sentida. Quando a perda se consuma, ela não surge como punição moral, mas como consequência trágica de um processo inevitável.

Realismo poético

Com câmera discreta, locações naturais e atores de extraordinária contenção, Ray cria um realismo que é também poético. A vida cotidiana — estudos, trabalho, deslocamentos — ganha densidade ética. A trilha de Ravi Shankar acrescenta uma dimensão espiritual sem conduzir a emoção, reforçando a sensação de fluxo contínuo do tempo.

Um final de solidão e promessa

O desfecho encontra Apu sozinho, mas não derrotado. A solidão não é punição; é condição do amadurecimento. O título original, Aparajito (“o invencível”), não se refere à vitória externa, mas à capacidade de continuar apesar da perda. Ray sugere que a vida prossegue sem garantias — e que seguir adiante é, em si, um ato de coragem.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar O Invencível, Veneza reconheceu:

• um cinema de humanismo profundo, atento às transformações íntimas;
• a invenção de um realismo que pensa o progresso sem triunfalismo;
• a universalidade de uma história local contada com rigor e delicadeza.

👉 O Invencível é um filme sobre tornar-se adulto sem deixar de sofrer. Uma obra que entende o crescimento como processo ambíguo — feito de descobertas e despedidas — e que permanece atual por lembrar que toda conquista carrega uma perda silenciosa.

O Homem do Riquixá (1958) Muhômatsu no isshô - 1 h 43 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Um pobre motorista de riquixá se vê ajudando uma jovem e seu filho depois que o marido da mulher morre repentinamente.

O Homem do Riquixá (1958) - IMDb
Dir: Hiroshi Inagaki

Drama

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MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 7,5

O Homem do Riquixá (Muhômatsu no isshô) é um drama clássico do cinema japonês dirigido por Hiroshi Inagaki, que articula honra, desejo e renúncia em torno de um herói popular. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1958, o filme consagrou internacionalmente um modelo de melodrama ético ancorado na tradição e na dignidade do gesto simples.

O herói do cotidiano

Ambientado no Japão do início do século XX, o filme acompanha Muhomatsu, um riquixá impulsivo e carismático, cuja vitalidade o coloca em contraste com as rígidas hierarquias sociais. Ao salvar o filho de um oficial, Muhomatsu aproxima-se da família, desenvolvendo um afeto silencioso pela mãe da criança. Inagaki constrói o protagonista como figura do povo: exuberante, generoso e profundamente consciente de seu lugar no mundo.

Desejo contido, ética da renúncia

O coração do filme reside na renúncia. O amor de Muhomatsu não se converte em conquista; ele se manifesta como cuidado, lealdade e distância respeitosa. O código moral não é imposto pela autoridade, mas assumido pelo próprio personagem. A tragédia nasce não da transgressão, mas da escolha de não transgredir — uma ética que transforma a perda em nobreza.

Espetáculo e ritual

Inagaki equilibra intimidade e grandiosidade. As cenas de festivais e procissões são filmadas com vigor coreográfico, enquanto os momentos decisivos se resolvem em silêncios e olhares. O contraste entre o corpo em movimento (o trabalho do riquixá, a festa popular) e a contenção emocional estrutura o drama, conferindo-lhe ressonância ritual.

Forma clássica, emoção precisa

A mise-en-scène privilegia composição clara, ritmo seguro e uma narrativa linear que confia na expressividade do gesto. O filme evita sentimentalismo excessivo, apostando numa emoção construída pela acumulação de atitudes coerentes. O resultado é um melodrama que encontra força na sobriedade, não no excesso.

Um final de dignidade

O desfecho, marcado por um ato público de devoção e memória, sela a transformação do herói popular em figura exemplar. Não há recompensa material nem consolação romântica — apenas o reconhecimento tardio de uma vida guiada por valores. A comoção surge da consciência de que a grandeza pode habitar escolhas invisíveis.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar O Homem do Riquixá, Veneza reconheceu:

• a universalidade de um cinema que fala de honra sem dogma;
• a elegância de um classicismo capaz de emocionar além das fronteiras culturais;
• a afirmação do cinema japonês no cenário internacional do pós-guerra.

👉 O Homem do Riquixá é um filme sobre ser grande sem possuir, amar sem tomar e escolher sem alarde. Um Leão de Ouro que permanece atual por lembrar que a dignidade, quando assumida até o fim, transforma a renúncia em legado.

De Crápula a Herói (1959) Il generale Della Rovere - 2 h 12 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Bardone, um vigarista de mesquinharia, é preso pela Gestapo e coagido a se passar por líder partidário para expor outro organizador da resistência.

De Crápula a Herói (1959) - IMDb
Dir: Roberto Rossellini

Drama, Guerra

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IMDB: 7,7

90%Tomatometer10 Reviews   87%Popcornmeter

De Crápula a Herói (Il generale Della Rovere, 2 h 12 min) é um drama moral dirigido por Roberto Rossellini que investiga identidade, dignidade e responsabilidade em tempos de opressão. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1959, o filme marca o neorrealismo tardio de Rossellini, deslocando o foco do coletivo para a conversão ética do indivíduo.

Um impostor a serviço do poder

Ambientado na Itália ocupada durante a Segunda Guerra, a história acompanha Emanuele Bardone, um vigarista elegante que vive de pequenos golpes e favores. Capturado pelas autoridades, ele aceita um acordo: assumir a identidade do “General Della Rovere” para infiltrar-se entre prisioneiros políticos e extrair informações. A farsa inicial — cálculo, autopreservação, oportunismo — estrutura o primeiro movimento do filme.

O cárcere como escola moral

No espaço fechado da prisão, a máscara começa a pesar. O contato com presos que acreditam no general — e que depositam nele confiança, esperança e honra — produz uma fricção decisiva. Rossellini filma essa transformação sem retórica: são os gestos mínimos, a convivência, o respeito silencioso que reescrevem a identidade do impostor. A ética nasce do olhar do outro.

Identidade, representação e verdade

O filme propõe uma pergunta central: o que define quem somos — a origem ou a escolha? Ao sustentar o papel até o fim, Bardone descobre que a verdade não está no passado, mas na decisão presente. A representação (fingir ser o general) deixa de ser fraude e torna-se ato moral, quando assumida com responsabilidade.

Forma clássica, gravidade moderna

Rossellini adota uma mise-en-scène contida, de ritmo paciente e enquadramentos precisos. Não há melodrama nem heroísmo ruidoso. A prisão é filmada como espaço de dignidade resistente, onde a grandeza se manifesta no silêncio e na recusa. A interpretação de Vittorio De Sica confere ao arco do personagem uma humanidade rara, equilibrando ironia inicial e gravidade final.

Um final sem espetáculo

O desfecho evita exaltação: a escolha última não promete salvação pessoal, mas coerência ética. Rossellini encerra o filme reafirmando que o heroísmo verdadeiro não nasce da glória, e sim da fidelidade a um valor quando o custo é máximo.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar De Crápula a Herói, Veneza reconheceu:

• a maturidade de um cinema que pensa a resistência como decisão individual;
• a capacidade de Rossellini de renovar o neorrealismo pela via da tragédia moral;
• uma obra que transforma o passado histórico em lição ética universal.

👉 De Crápula a Herói é um filme sobre tornar-se digno do nome que se carrega. Um retrato sóbrio da transformação possível quando a vida exige escolher — e provar — quem se é.

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As Mãos Sobre a Cidade (1963) Le mani sulla città - 1 h 41 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Edoardo Nottola, um implacável incorporador de terras napolitano e vereador eleito, consegue usar seu poder político para obter lucro pessoal em um negócio imobiliário suburbano. No entanto, após o colapso de um prédio residencial, o vereador comunista De Vita inicia uma investigação sobre a possível conexão de Nottola com o acidente.

As Mãos Sobre a Cidade (1963) - IMDb
Dir: Francesco Rosi

Drama

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MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,6

87%Popcornmeter

As Mãos Sobre a Cidade (Le mani sulla città) é um dos mais contundentes filmes políticos do cinema italiano, dirigido por Francesco Rosi. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1963, o filme expõe, com precisão quase documental, os mecanismos de corrupção que articulam poder público, capital privado e especulação imobiliária.

A cidade como campo de batalha

Ambientado em Nápoles, o filme acompanha a ascensão de Edoardo Nottola, empresário da construção civil que utiliza a política municipal para viabilizar seus próprios interesses. Rosi desloca o drama do indivíduo para a estrutura urbana, tratando a cidade como espaço de disputa econômica e simbólica. Prédios, terrenos e planos diretores tornam-se armas; decisões administrativas, atos de violência silenciosa.

Realismo investigativo

Rosi constrói o filme como uma investigação. A narrativa avança por debates em câmaras municipais, comissões parlamentares, reuniões técnicas e manchetes de jornal. O estilo — câmera sóbria, montagem clara, atores misturados a não profissionais — aproxima a ficção do documentário, conferindo ao filme uma autoridade crítica rara. O cinema não comenta a política: ele a disseca.

Poder sem caricatura

O protagonista não é vilão operístico, mas figura racional, pragmática, perfeitamente integrada ao sistema. A corrupção não surge como desvio individual, e sim como método de governo. Essa escolha impede a catarse moral: derrubar um homem não muda o mecanismo. O filme mostra como interesses privados se legitimam por meio da legalidade e da retórica do progresso.

Democracia sob pressão

As sessões do conselho municipal são filmadas como teatro tenso, onde discursos, interrupções e manobras procedimentais revelam a fragilidade da democracia quando submetida ao capital. Rosi enfatiza que o conflito não é ideológico abstrato, mas material: quem controla o solo controla o futuro da cidade.

Forma e ética

A mise-en-scène é funcional e rigorosa. Rosi evita melodrama, música enfática ou psicologização excessiva. A frieza formal é um posicionamento ético: o filme confia na força dos fatos. O plano final, que recusa punição exemplar, reforça a tese central — a luta contra a corrupção é estrutural e contínua.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar As Mãos Sobre a Cidade, Veneza reconheceu:

• a invenção de um cinema político analítico, sem concessões;
• a coragem de confrontar interesses reais e contemporâneos;
• a capacidade do cinema de atuar como ferramenta crítica da democracia.

👉 As Mãos Sobre a Cidade é um filme sobre quem decide o espaço onde vivemos. Um clássico que permanece atual por mostrar que a corrupção urbana não é exceção, mas sistema — e que a vigilância democrática começa no chão que se constrói, se vende e se ocupa.

Vagas Estrelas da Ursa (1965) Vaghe stelle dell'Orsa... - 1 h 45 min

Mostra Filmes Ganhadores do Leão de Ouro - Festival de Veneza

Sandra retorna à cidade de sua infância para lidar com problemas familiares, mas memórias e segredos do passado a dominam.

Vagas Estrelas da Ursa (1965) - IMDb
Dir: Luchino Visconti

Drama, Mistério

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MP4 / SD / LEG: Português

IMDB: 7,1

100%Tomatometer6 Reviews   84%Popcornmeter

Vagas Estrelas da Ursa (Vaghe stelle dell’Orsa…) é um drama de atmosfera sombria dirigido por Luchino Visconti que investiga memória, culpa e decadência familiar com rigor clássico e pulsão trágica. Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Cinema de Veneza de 1965, o filme marca uma virada íntima na obra de Visconti, afastando-se do épico social para concentrar-se no drama interior.

Retorno ao lugar do trauma

A narrativa acompanha Sandra (vivida por Claudia Cardinale), que retorna à casa da família na Toscana para uma homenagem póstuma ao pai — um intelectual morto em circunstâncias ligadas à guerra. O retorno desencadeia uma confrontação com o passado: a mãe distante, o marido estrangeiro e, sobretudo, o irmão Gianni, cuja presença reabre feridas antigas. A casa funciona como arquivo emocional, onde cada espaço guarda uma lembrança não resolvida.

Memória, culpa e interdito

Visconti constrói o conflito a partir de afetos proibidos e não nomeados, sugerindo tensões que permanecem no limite da representação direta. O filme não busca escândalo, mas densidade trágica: o interdito opera como força subterrânea que corrói as relações. A culpa — individual e histórica — atravessa a família, conectando trauma privado e ferida coletiva do pós-guerra italiano.

Forma clássica, nervo moderno

A mise-en-scène é austera e precisa: interiores geométricos, composições rigorosas, movimentos de câmera contidos. Essa disciplina formal contrasta com a turbulência emocional dos personagens, criando um efeito de pressão interna. A fotografia e a trilha reforçam a sensação de elegia — não há catarse, apenas reconhecimento doloroso.

Tragédia sem redenção

Ao contrário do melodrama conciliatório, Vagas Estrelas da Ursa assume a lógica da tragédia: o passado não se apaga, o retorno não cura, a verdade não liberta. O desfecho é seco, coerente com a ideia de que algumas histórias só podem terminar em silêncio e perda.

Por que o Leão de Ouro

Ao premiar o filme, Veneza reconheceu:

• a maturidade de um cinema que transforma a memória em estrutura dramática;
• a coragem de abordar conflitos íntimos com sobriedade e rigor;
• a síntese entre tradição clássica e inquietação moderna.

👉 Vagas Estrelas da Ursa é um filme sobre voltar sem poder ficar. Um retrato grave da herança emocional e histórica que pesa sobre os vivos, onde a beleza formal de Visconti não suaviza a dor — apenas a torna inesquecível.

ATENÇÃO: SPOILER

Em Vagas Estrelas da Ursa, a tragédia íntima não é um único acontecimento espetacular, mas um processo de revelação e colapso que se fecha de forma irreversível. Ela se organiza em três camadas interligadas:

1) O retorno que reabre o interdito

Quando Sandra volta à casa da família, o reencontro com o irmão Gianni reativa um vínculo afetivo proibido, sugerido ao longo do filme com extrema contenção. Visconti nunca o explicita em termos sensacionalistas; a tragédia nasce justamente do não dito.

👉 O passado não resolvido reaparece como tensão emocional insustentável.

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2) A culpa herdada

O pai — morto durante a guerra — deixa uma herança moral ambígua, ligada a culpas históricas e familiares. A casa, os rituais e a homenagem pública funcionam como máscaras de um luto que nunca foi elaborado.

👉 O trauma coletivo (guerra, colaboração, silêncio) infiltra-se no trauma privado.

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3) O desfecho trágico

Incapaz de suportar o peso do interdito, da dependência emocional e da culpa, Gianni se suicida.

Esse ato final não é apresentado como choque, mas como consequência lógica de tudo o que o filme construiu:

a impossibilidade de reparar o passado,

a ausência de futuro possível para aquele vínculo,

a falência de qualquer reconciliação.

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Em síntese

A tragédia íntima de Vagas Estrelas da Ursa é a descoberta de que não há saída moral para certos laços:

o amor proibido não pode ser vivido,

o passado não pode ser corrigido,

e a memória, em vez de libertar, aprisiona.

👉 Visconti filma a tragédia à maneira clássica: não como escândalo, mas como destino. O que destrói os personagens não é um ato isolado, e sim a impossibilidade de transformar culpa em futuro.

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