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quarta-feira, 18 de março de 2026

Cerimônia de Casamento (1978) A Wedding - 2 h 05 min

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

O casamento de Muffin com Dino Corelli será um grande acontecimento. Exceto que o padre idoso não tem muita certeza da cerimônia, apenas as famílias realmente aparecem, já que a conexão italiana Corelli é suspeita, os guardas de segurança vigiam os presentes com muito zelo e a avó de Dino morre na cama assim que a recepção começa. Pode ser uma ocasião e tanto…


Comédia, Drama

MP4 / SD+ / LEG: Português

IMDB: 7,0
FLICK METRIX: 69   Average Percentile: 60.49%
69%Tomatometer13 Reviews   81%Popcornmeter


Rituais em Colapso

Um casamento reúne famílias, tradições e aparências — até que, sob a superfície da celebração, tudo começa a se desintegrar.


Coreografia do Caos

Em Cerimônia de Casamento, Robert Altman constrói um dos mais elaborados retratos corais de sua carreira. Com dezenas de personagens circulando por uma mansão, o filme acompanha simultaneamente múltiplas situações, conflitos e revelações. A narrativa se fragmenta em pequenas ações e diálogos sobrepostos, criando uma sensação de movimento contínuo, como se o evento jamais pudesse ser apreendido em sua totalidade.


Sátira das Aparências


Por trás da estrutura aparentemente leve, Altman articula uma crítica mordaz à alta sociedade americana. O casamento, símbolo máximo de ordem e tradição, torna-se palco de hipocrisias, interesses ocultos e tensões familiares. Segredos emergem, alianças se desfazem e a formalidade cede lugar ao constrangimento. O riso surge não como alívio, mas como exposição — revelando o vazio por trás das convenções sociais.


Recepção e Reavaliação

Lançado em um momento de intensa experimentação do diretor, o filme foi recebido com interesse, mas também com certo estranhamento diante de sua estrutura dispersa e de seu grande número de personagens. Com o tempo, passou a ser reconhecido como uma das obras mais representativas do estilo coral de Altman, consolidando sua habilidade em organizar o caos e extrair dele um retrato complexo da sociedade.


Entre Fascínio e Rejeição

Os índices de recepção refletem essa dualidade: avaliações geralmente positivas, mas não unanimemente entusiasmadas. Em plataformas amplas, o filme mantém uma boa reputação crítica, embora menos popular entre o grande público. Já em espaços mais especializados, como Flick Metrix e Criticker, sua apreciação tende a crescer, especialmente entre espectadores interessados em narrativas corais e estruturas fragmentadas. Por outro lado, o grande número de personagens e a ausência de um foco central podem afastar aqueles que buscam identificação clara ou desenvolvimento dramático tradicional, tornando o filme uma experiência tão fascinante quanto exigente.

 

quinta-feira, 19 de fevereiro de 2026

Oeste Selvagem (1976) Buffalo Bill and the Indians or Sitting Bull's History Lesson - 2 h 3 min

Mostra Festival de Berlim: A Linhagem do Urso de Ouro

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

O cínico Buffalo Bill contrata Touro Sentado para explorá-lo e adicionar sua credibilidade à visão distorcida da história apresentada em seu Show do Velho Oeste.


Oeste Selvagem (1976) - IMDb
Dir: Robert Altman
Sátira, Comédia, Drama, Western

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 6,1   METASCORE: 6,1
FLICK METRIX: 64   Average Percentile: 59.17%
61%Tomatometer18 Reviews   47%Popcornmeter



Uma desconstrução mordaz do mito do Oeste que revela o espetáculo por trás da história oficial.


🤠 O Show que Reinventa a História

Em Oeste Selvagem (1976) — Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull’s History Lesson —, Robert Altman revisita o imaginário do Velho Oeste para desmontar suas ilusões fundadoras. Ambientado no famoso show itinerante de Buffalo Bill, o filme acompanha a chegada de Sitting Bull ao espetáculo, expondo as tensões entre a versão heroica vendida ao público e as complexidades da história real.


🪶 Mito, Poder e Representação


Altman investiga como a história é transformada em entretenimento e propaganda. Buffalo Bill surge menos como herói do que como figura vaidosa presa à própria performance, enquanto Sitting Bull encarna uma presença silenciosa que desafia a narrativa dominante. O filme revela, com ironia amarga, como o mito americano se constrói pela distorção e pela repetição.


🎬 O Oeste Segundo Altman

Fiel ao seu estilo, Altman aposta em narrativa coral, diálogos sobrepostos e encenação aparentemente caótica, criando um espetáculo dentro do espetáculo. A mise-en-scène evidencia o artificialismo do show e reforça o tom satírico da obra. Trata-se de um western revisionista que prefere a desmontagem crítica à celebração épica.


🏆 Recepção e Legado

Vencedor do Urso de Ouro no Festival de Berlim de 1976, o filme foi inicialmente recebido com divisões, mas ganhou reconhecimento crescente como uma das leituras mais inteligentes do mito do Oeste americano. Hoje, é frequentemente citado como peça-chave do ciclo revisionista dos anos 1970 e como exemplo da fase mais politicamente irônica de Altman.


🎪 Quando o Herói é Apenas um Papel

Ao final, Oeste Selvagem sugere que a história oficial muitas vezes não passa de encenação bem ensaiada. Entre plumas, arquibancadas e silêncios eloquentes, o filme permanece como uma crítica afiada à fabricação dos mitos nacionais.

 












sábado, 31 de janeiro de 2026

Doutor Jivago (1965) Doctor Zhivago - 3 h 17 min

Mostra o Cinema de David Lean

A vida do poeta e físico russo que, apesar de casado, se apaixonou pela esposa de um ativista e viveu a Primeira Guerra Mundial e a Revolução de Outubro.


Romance Trágico, Tragédia, Drama, Guerra


MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,9   METASCORE: 6,9
82%Tomatometer49 Reviews   88%Popcornmeter


O Amor Sob a Neve da História

Doutor Jivago constrói seu drama como colisão entre sentimento íntimo e força histórica implacável. A Revolução Russa não é apenas pano de fundo político, mas avalanche que invade cada gesto privado, transformando o amor em resistência silenciosa contra o tempo.


Um Poeta Perdido Entre Exércitos


Yuri Jivago não nasce herói nem líder; é médico e poeta, homem da contemplação lançado a um mundo que exige posicionamentos brutais. Lean constrói sua trajetória como desencontro permanente entre sensibilidade artística e realidade violenta.


A Revolução Como Inverno Permanente

A Rússia filmada por Lean é vasta, gelada e desoladora. A paisagem não ilustra a narrativa — ela a oprime. Neve, gelo e vento transformam a natureza em força histórica, sugerindo que o indivíduo é sempre pequeno diante da marcha coletiva.


Amar Como Refúgio Impossível

O encontro entre Yuri e Lara nasce como abrigo emocional em meio ao caos. O romance não promete futuro estável, apenas breves instantes de calor humano. O amor surge como interrupção frágil da brutalidade histórica.


Casas Que Nunca São Lar


Os personagens estão sempre em trânsito: trens lotados, estradas longas, casas abandonadas. Nenhum espaço oferece permanência. Lean filma o deslocamento constante como condição existencial de uma geração arrancada de suas raízes.


Ideologia Que Engole Rostos

A Revolução, em vez de libertar, gradualmente padroniza. O filme mostra como discursos coletivos apagam individualidades, transformando pessoas em funções. A utopia política se converte em sistema que vigia, regula e silencia.


O Tempo Como Ladrão de Destinos


Anos passam sem aviso, separando amantes, dispersando famílias, apagando possibilidades. Lean utiliza elipses largas para sugerir que a História não negocia com desejos pessoais. O que não acontece no momento certo simplesmente se perde.


A Beleza Que Resiste ao Horror

Mesmo em meio à devastação, o filme insiste na poesia. A fotografia luminosa, a música recorrente e os gestos delicados de Yuri reafirmam que a arte sobrevive onde a política falha. A sensibilidade torna-se último reduto de humanidade.


Recordar É a Única Vitória Possível

No desfecho, Doutor Jivago abandona qualquer ideia de triunfo. O que resta é memória — poemas, lembranças, histórias contadas. Lean sugere que, quando tudo é levado pela História, recordar torna-se forma modesta, mas essencial, de permanência.



sábado, 29 de novembro de 2025

Nashville (1975) - 2 h 40 min

MOVIMENTO NEW HOLLYWOOD (1967 - 1980) - Filmes Essenciais

O CINEMA DE ROBERT ALTMAN — Uma Obra em Mosaico

Ao longo de alguns dias agitados, numerosas pessoas inter-relacionadas se preparam para uma convenção política.


Nashville (1975) - IMDb
Dir: Robert Altman
Sátira, Tragédia, Comédia, Drama, Música


MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,6   METASCORE: 9,6
FLICKMETRIX: 83   Average Percentile: 68.02%
89%Tomatometer132 Reviews   83%Popcornmeter


A Obra-Prima Coral de Robert Altman.


🌟 Um dos filmes mais ambiciosos, visionários e influentes da New Hollywood

Nashville é frequentemente considerado o grande épico americano da década de 1970 — não no sentido tradicional, mas como um mosaico caótico, satírico, musical e profundamente humano sobre a cultura dos Estados Unidos.

Robert Altman, conhecido por sua direção coral, cria uma obra que combina:

  • crítica política,
  • observação social,
  • humor ácido,
  • números musicais,
  • e uma teia de personagens frágeis, ridículos, carismáticos e trágicos.

O resultado é um retrato da América em crise, feito com audácia total e liberdade criativa plena.


🎬 Enredo (ou a ausência de um enredo único)

Nashville acompanha 24 personagens ao longo de cinco dias na capital da música country, durante a preparação de um comício político para um candidato populista e invisível, Hal Phillip Walker.

Entre músicos, aspirantes à fama, políticos, fãs e figuras excêntricas, o filme constrói um painel fragmentado e profundamente vivo:

  • uma estrela country em colapso emocional (Ronee Blakley),
  • um cantor sedutor e egocêntrico (Keith Carradine),
  • uma dona de casa solitária em busca de conexão (Lily Tomlin),
  • um jornalista estrangeiro que observa o caos cultural,
  • um motorista obsessivo,
  • uma aspirante ao estrelato sem talento,
  • e políticos que manipulam tudo nos bastidores.

O filme se move de forma fluida, como se a câmera fosse um personagem curioso que se infiltra em vidas alheias.


🎥 Estética e Estilo: Altman no auge absoluto

1. Som sobreposto (overlapping dialog)

Marca registrada de Altman: os personagens falam ao mesmo tempo, criando cacofonia que simula o caos da vida real.

2. Estrutura coral e narrativa fragmentada

Não há protagonista — todos têm algum protagonismo momentâneo.
É cinema como tapeçaria social, não como história linear.

3. Realismo misturado a sátira

Altman observa seus personagens com empatia, mas nunca deixa de notar o ridículo, o patético e o absurdo.


4. Músicas originais compostas e cantadas pelos próprios atores

Ronee Blakley, Keith Carradine e outros interpretam suas canções ao vivo.
O filme funciona também como musical documental.


5. Convergência explosiva no final

Todo o filme parece caminhar para uma grande celebração pública…
… que se transforma em violência inesperada e desesperadora.
É Altman mostrando a fragilidade do mito americano.



🔍 Temas Centrais

  • A crise da identidade americana pós-Vietnã e pós-Watergate
  • O casamento entre política e entretenimento
  • Fama, fracasso e solidão
  • Espetáculo como distração
  • O mito da América “perfeita” desmontado peça por peça
  • Cultura pop como ferramenta de manipulação
  • Contradições morais e emocionais da vida cotidiana

O filme antecipa, décadas antes, a fusão total entre política e show business vista na era moderna.




🏆 Prêmios e Legado

  • Indicado a 5 Oscars
    • Ganhou Melhor Canção Original (“I’m Easy”, de Keith Carradine)
  • Grande sucesso crítico
  • Presença constante em listas dos maiores filmes de todos os tempos
  • Influenciou profundamente:
    • Paul Thomas Anderson (Magnolia, Boogie Nights)
    • Steven Soderbergh
    • Richard Linklater
    • Todd Haynes
    • A linguagem das séries de TV modernas

A estrutura coral de narrativas interligadas praticamente nasce aqui.


🎯 Conclusão

Nashville é talvez o retrato definitivo dos Estados Unidos nos anos 70:
confuso, barulhento, melancólico, divertido, violento, cheio de sonhos quebrados e ambições políticas disfarçadas de entretenimento.

Um filme imenso, ousado e único — a maior obra-prima de Robert Altman e um dos pilares da New Hollywood.


 





segunda-feira, 27 de outubro de 2025

A Condessa de Hong Kong (1967) A Countess from Hong Kong - 2 h

CHARLES CHAPLIN — O Riso que Pensa, o Cinema que Sente

O filme segue a história de um rico empresário americano, o Sr. O'Brien, que encontra uma bela condessa, a condessa Tania, em um navio de cruzeiro. Depois de uma série de desventuras cômicas e românticas, o Sr. O'Brien se vê enredado na vida de Tania, levando a situações engraçadas enquanto eles navegam por suas diferenças de status social e expectativas.


Dir: Charles Chaplin
Comédia, Romance


MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 6,1
Flick Metrix: 57   Average Percentile: 36.3%

O adeus melancólico de um clássico fora do tempo


Um Encontro em Suspensão

Em A Countess from Hong Kong, Charles Chaplin realiza seu último longa-metragem, um filme que parece deslocado no tempo — como se pertencesse a uma era que já havia desaparecido. Ambientada quase inteiramente a bordo de um navio, a história acompanha o encontro entre uma condessa russa exilada, vivida por Sophia Loren, e um diplomata americano, interpretado por Marlon Brando.

O que se desenha é menos um romance convencional e mais um jogo de aproximações e recusas, onde o espaço confinado intensifica tanto o desejo quanto o constrangimento.


Comédia de Gestos, Mundo em Transformação

Chaplin retorna aqui à comédia de situação e ao humor físico que marcaram sua carreira, mas o faz em um contexto profundamente alterado. Nos anos 1960, o cinema já operava sob outras lógicas — mais diretas, mais modernas — e A Condessa de Hong Kong surge como um gesto de resistência estética.

Os equívocos, as portas que se abrem e fecham, os corpos que se escondem e se revelam: tudo remete à tradição da comédia clássica. No entanto, há uma fricção constante entre essa forma e o tempo histórico em que o filme foi realizado, gerando uma sensação de desajuste que é, ao mesmo tempo, sua fragilidade e sua singularidade.


Entre o Charme e a Rigidez

A presença de Sophia Loren traz vitalidade e magnetismo à personagem, equilibrando leveza e vulnerabilidade. Já Marlon Brando, com uma atuação contida e por vezes rígida, cria um contraste curioso — como se estivesse deslocado dentro da própria lógica do filme.

Essa tensão entre os dois protagonistas espelha a própria estrutura da obra: de um lado, a fluidez do gesto chapliniano; de outro, a dificuldade de encaixá-lo em um novo contexto cinematográfico.


O Espaço como Palco

O navio funciona como um palco fechado, quase teatral, onde cada gesto ganha maior visibilidade. Chaplin organiza o espaço com precisão, explorando corredores, cabines e salões como áreas de encenação.

Essa escolha reforça o caráter clássico do filme, aproximando-o de uma comédia de costumes. Ao mesmo tempo, limita sua expansão visual, tornando-o mais contido — uma obra que olha para dentro, mais do que para o mundo.


Recepção e Legado

Na época de seu lançamento, A Countess from Hong Kong foi recebido com frieza pela crítica e pelo público. Muitos o viram como um trabalho anacrônico, incapaz de dialogar com o cinema de sua época.

Com o passar do tempo, no entanto, o filme passou a ser reavaliado como um objeto singular: não um fracasso simples, mas o registro de um artista que permaneceu fiel à sua linguagem até o fim. É também lembrado por marcar o encerramento da carreira de Chaplin como diretor — um adeus discreto, distante do impacto monumental de suas obras anteriores.


Leitura Crítica

A Condessa de Hong Kong pode ser vista como um filme sobre deslocamento — geográfico, emocional e histórico. Seus personagens estão fora de lugar, assim como o próprio Chaplin dentro do cinema dos anos 1960.

Há, em sua leveza, uma melancolia silenciosa: a sensação de que certas formas de olhar e representar o mundo já não encontram o mesmo espaço. Ainda assim, Chaplin insiste — e é nessa insistência que o filme encontra sua verdade.


Para quem é (e para quem não é)

O filme interessa especialmente a quem deseja compreender a fase final de Chaplin e observar como um grande autor lida com um contexto em transformação. Também pode encantar espectadores sensíveis à comédia clássica e ao charme de seus protagonistas.

Por outro lado, pode frustrar quem espera o vigor inventivo de obras como Tempos Modernos ou Luzes da Cidade: aqui, o brilho é mais discreto, e o tempo parece correr em outra velocidade.


terça-feira, 7 de outubro de 2025

Sete Minutos Depois da Meia-Noite (2016) A Monster Calls - 1 h 48 min

 Um menino procura a ajuda de três monstros para sobreviver a doença da sua mãe solteira.


Dir: J.A. Bayona


MEGA1
MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,4   METASCORE: 7,6
86%Tomatometer265 Reviews   81%Popcornmeter



Certified fresh score. Consenso dos críticos

A Monster Calls habilmente equilibra temas sombrios e elementos fantásticos para oferecer uma entrada cativante e incomumente comovente no gênero de amadurecimento.

Leia as avaliações dos críticos

Fantasia Sombria, Drama Psicológico