Vingadores: Guerra Infinita (2018) Avengers: Infinity War - 2 h 29 min

Os Vingadores e seus aliados deverão sacrificar tudo em uma tentativa de derrotar o poderoso Thanos antes que sua explosão de devastação ponha fim ao universo.

Mostra Filmes Live Action do IMDB Top 250 - BLOCO 2 (#51 a #100)

Vingadores: Guerra Infinita (2018) - IMDb
Dir: Anthony Russo, Joe Russo

Ficção Científica Espacial, Ação, Aventura, Comédia de Humor Negro, Super-Herói

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MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 8,4   METASCORE: 6,8

85%Tomatometer487 Reviews   92%Popcornmeter

O Bloco Sombrio do Universo Marvel

Vingadores: Guerra Infinita (Avengers: Infinity War, 2018), dirigido por Anthony Russo e Joe Russo, representa uma ruptura decisiva no tom do Universo Cinematográfico Marvel. Longe da estrutura clássica de vitória heroica, o filme assume uma atmosfera trágica e pessimista, transformando o espetáculo do blockbuster em narrativa de colapso.

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Thanos como Centro Dramático

Interpretado por Josh Brolin, Thanos ocupa o verdadeiro papel de protagonista. Diferente dos vilões convencionais do gênero, ele é movido por uma lógica própria, distorcida, mas coerente. Sua cruzada em busca das Joias do Infinito não é apresentada apenas como ameaça externa, mas como força inevitável que reorganiza todo o universo narrativo.

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Heróis Fragmentados, Mundo Fragmentado

O filme se estrutura a partir da dispersão dos heróis em múltiplos núcleos narrativos. Essa fragmentação reflete um mundo em desequilíbrio, onde alianças são improvisadas e antigas lideranças perdem eficácia. Personagens consagrados enfrentam limites reais, e o senso de invencibilidade que marcou fases anteriores do MCU é deliberadamente desmontado.

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Wakanda e a Guerra Final

A batalha em Wakanda simboliza o último esforço coletivo contra o inevitável. O confronto não é apenas físico, mas ideológico: tecnologia, tradição e sacrifício se unem em uma tentativa desesperada de preservar a ordem. Ainda assim, o filme subverte expectativas ao recusar o triunfo moral, reforçando a ideia de que nem toda luta justa resulta em vitória.

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O Estalo e a Quebra do Mito

O momento do estalo de Thanos redefine os limites do cinema de super-heróis. A derrota é total, silenciosa e irreversível dentro da lógica do filme. Ao encerrar a narrativa com a vitória do antagonista, Guerra Infinita rompe com o conforto emocional do gênero e impõe ao espectador uma experiência de perda e suspensão.

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O Blockbuster como Tragédia Moderna

Mais do que um ponto alto do entretenimento serial, Vingadores: Guerra Infinita funciona como tragédia contemporânea disfarçada de espetáculo. Ao colocar o fracasso no centro da narrativa, o filme amplia o alcance temático do cinema de super-heróis e demonstra que, mesmo em universos fantásticos, o poder absoluto cobra um preço devastador.

Simplesmente Alice (1990) Alice - 1 h 46 min

Mostra Retrospectiva Woody Allen - Risos, Neurose e Nova York

Uma dona de casa mimada de Manhattan reavalia sua vida depois de visitar um curandeiro de Chinatown.

Simplesmente Alice (1990) - IMDb

Dir: Woody Allen

Comédia, Romance

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MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 6,6   METASCORE: 6,7

71%Tomatometer28 Reviews   56%Popcornmeter

Simplesmente Alice é um dos filmes mais delicados, femininos e formalmente encantados de Woody Allen. Misturando comédia romântica, realismo mágico e fábula moral, o longa propõe uma reflexão suave — mas incisiva — sobre identidade, desejo, culpa e autonomia feminina, temas raramente tratados com tamanha ternura na obra do diretor.

Uma heroína em estado de adormecimento

Alice Tate vive cercada por conforto, luxo e convenções sociais. Casada com um homem rico, habitando um mundo elegante e protegido, ela parece ter tudo — exceto consciência de si. Sua vida é organizada para funcionar, não para ser sentida.

Allen constrói Alice como personagem em estado de sonambulismo existencial: ela cumpre papéis, repete gestos, aceita regras, mas não escolhe.

Magia como ferramenta de autoconhecimento

A virada do filme ocorre quando Alice passa a consultar um curandeiro oriental, que lhe oferece ervas mágicas capazes de produzir efeitos sobrenaturais: invisibilidade, revelação do passado, leitura do desejo alheio.

Esses elementos mágicos não servem como fantasia escapista, mas como atalhos simbólicos. A magia revela aquilo que a vida social oculta: hipocrisia, repressão, infidelidade, medo e desejo.

Diferente do tom sombrio de Crimes e Pecados ou Match Point, aqui o fantástico funciona como instrumento de libertação, não de punição.

Invisibilidade feminina — literal e simbólica

Uma das imagens mais potentes do filme é a invisibilidade de Alice. Invisível, ela observa o mundo como realmente é — e percebe o quanto sempre foi socialmente invisível, apesar de estar no centro de tudo.

Allen articula aqui uma crítica sutil ao papel da mulher na elite urbana: presente como ornamento, ausente como sujeito.

Amor, tentação e escolha

Alice se vê dividida entre a segurança conjugal e a possibilidade de um amor mais verdadeiro. Mas o filme evita tratar essa escolha como simples dilema romântico. A questão central não é com quem ficar, mas quem se tornar.

Amar, em Simplesmente Alice, implica risco moral e perda de conforto. Permanecer exige anestesia emocional. A decisão final não é heroica nem trágica — é ética e silenciosa.

Nova York como conto moral

A cidade aparece menos neurótica do que em outros filmes de Allen. Aqui, Nova York é espaço de passagem, de encontros e de revelações discretas. O brilho urbano contrasta com a introspecção da protagonista, reforçando o caráter de fábula contemporânea.

Um Woody Allen incomumente gentil

O tom do filme é notavelmente compassivo. Allen abandona o sarcasmo corrosivo e o pessimismo moral para adotar uma postura afetuosa e esperançosa, ainda que sem ingenuidade. A transformação de Alice não é espetacular — é gradual, íntima, imperfeita.

Esse gesto torna o filme singular dentro de sua filmografia.

Um final de escolha consciente

O desfecho recusa tanto a punição quanto a fantasia romântica plena. Alice escolhe abrir mão de privilégios para recuperar algo mais frágil e mais valioso: autonomia moral. Não há garantia de felicidade — apenas a possibilidade de viver sem autoengano.

Síntese final

Simplesmente Alice é uma fábula moderna sobre despertar e escolha. Um filme que utiliza o fantástico para falar de opressões cotidianas e que trata a emancipação feminina com delicadeza rara.

Na obra de Woody Allen, ocupa um lugar especial:
um momento em que o cinema abandona a neurose masculina para escutar, com atenção e respeito, a jornada interior de uma mulher aprendendo a existir por conta própria. 

Um Amor Verdadeiro (1998) One True Thing - 2 h 7 min

 Uma mulher reavalia a vida de seus pais após ser forçada a cuidar de sua mãe acometida de câncer.

Um Amor Verdadeiro (1998) - IMDb

Dir: Carl Franklin

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IMDB: 6,9   METASCORE: 6,3

86%Tomatometer59 Reviews   71%Popcornmeter

One True Thing | Rotten Tomatoes

Certified fresh score. Consenso dos críticos

Performances sólidas elevam esse drama a um nível mais alto.

Leia as avaliações dos críticos

Drama Médico, Drama Psicológico

Corpos Ardentes (1981) Body Heat - 1 h 53 min

MOSTRA FILMES NEO-NOIR

No meio de uma onda de calor escaldante da Flórida, uma mulher convence seu amante, um advogado de cidade pequena, a assassinar seu marido rico.

Corpos Ardentes (1981) - IMDb

Dir: Lawrence Kasdan

Neo-noir, Romance Sensual, Romance Sombrio, Thriller Erótico, Tragédia, Crime, Drama

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IMDB: 7,4   METACORE: 7,7

96%Tomatometer48 Reviews   81%Popcornmeter

Corpos Ardentes (1981): A Redescoberta do Noir Pelo Calor da Sedução e da Maldade

Dirigido por Lawrence Kasdan, Corpos Ardentes (Body Heat) é um dos filmes mais emblemáticos do neo-noir erótico dos anos 1980. Evocando deliberadamente Pacto de Sangue (Double Indemnity, 1944), o filme reinventa a femme fatale e os códigos do noir clássico em uma chave sensual, ensolarada e sufocante — um noir que troca a noite fria por uma temperatura que nunca desce.

O enredo se passa durante uma onda de calor na Flórida, onde o advogado medíocre Ned Racine (William Hurt) conhece a misteriosa e magnética Matty Walker (Kathleen Turner). A atração instantânea entre os dois se transforma rapidamente em uma relação clandestina marcada por desejo, manipulação e violência latente. O calor, físico e emocional, torna-se metáfora central: ninguém pensa bem sob temperaturas tão altas — e essa falta de clareza abre espaço para decisões fatais.

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Matty Walker: a femme fatale ressuscitada — e aperfeiçoada

Kathleen Turner oferece uma das interpretações mais icônicas da história do noir moderno. Sua Matty é:

• sedutora,
• inteligentíssima,
• enigmática,
• calculista,
• e completamente irresistível.

Ela não apenas recria a femme fatale clássica: ela a atualiza para um mundo onde as mulheres têm agência, autonomia e controle total da narrativa. Matty é fria, estratégica, mas também fascinante — uma força da natureza que usa o desejo como arma e linguagem.

Kasdan filma Matty como presença quase mitológica: seu corpo, seu olhar e sua voz são instrumentos narrativos que constroem suspense tanto quanto qualquer arma.

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Ned Racine: o homem que pensa estar no comando — e está sempre atrás

William Hurt interpreta Ned como o típico anti-herói do noir:

• inteligente, mas não brilhante,
• sedutor, mas inseguro,
• convencido de que manipula a situação,
• quando, na verdade, é manipulado em cada gesto.

Ned representa o homem comum do neo-noir: alguém que acredita ser esperto o suficiente para atravessar territórios proibidos, mas que não enxerga o abismo que se abre adiante.

O charme de sua performance está em sua vulnerabilidade e em sua vaidade — os dois combustíveis da tragédia que Matty acende.

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O clima como personagem — calor, suor, desejo

A escolha de ambientar o filme na Flórida durante uma onda de calor é fundamental.
Kasdan transforma a atmosfera em elemento dramático:

• suor constante,
• ambientes sufocantes,
• ventiladores inúteis,
• roupas colando à pele,
• luz dura refletindo em janelas e superfícies.

A sensação permanente de calor funciona como metáfora para:

• o desejo incontrolável dos personagens,
• o risco de combustão moral,
• a irracionalidade das decisões,
• a iminência de explosão.

É um noir sem sombras — mas tão claustrofóbico quanto o mais escuro dos becos.

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O crime perfeito — e o erro inevitável

Como no noir clássico, Body Heat gira em torno de um plano arquitetado pela femme fatale que parece infalível, mas que depende da fraqueza emocional do amante para funcionar.

O roteiro — meticuloso, elegante, afiado — conduz o espectador por uma trama de:

• assassinato,
• falsificação,
• segredos conjugais,
• conexões políticas,
• traições múltiplas,
• e reviravoltas que ampliam a tragédia.

O que diferencia Body Heat é que a sedução é parte da engenharia do crime — não um adorno.

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Eros e Thanatos: a fusão do desejo e da morte

A cada encontro entre Ned e Matty, morte e desejo dançam lado a lado.
Não há separação entre erotismo e perigo — são, no filme, a mesma força.
O neo-noir aqui se afasta da moralidade implícita do noir clássico e abraça a ambivalência: o prazer não é punição — é mecanismo de manipulação.

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O final: inevitabilidade trágica e triunfo da inteligência feminina

O desfecho do filme confirma a grande virada do neo-noir:
a femme fatale domina totalmente a narrativa.

Sem revelar detalhes, basta dizer que o final:

• subverte expectativas,
• reconfirma Matty como arquiteta da trama,
• e oferece um dos momentos mais amargos e inteligentes do noir moderno.

É um final que respeita a inteligência do público e reafirma a maestria do roteiro.

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Conclusão

Corpos Ardentes é um dos pilares do neo-noir erótico, uma obra onde forma e conteúdo se entrelaçam em uma espiral de calor, desejo e manipulação.
Kasdan recria os códigos do noir clássico com elegância moderna, Kathleen Turner redefine o papel da femme fatale e William Hurt oferece um anti-herói memorável na sua ingenuidade ardente.

É um filme sobre como o desejo pode cegar — e sobre como, às vezes, o verdadeiro crime é acreditar que estamos no controle.

Um clássico essencial, tão quente e cortante quanto no dia em que estreou.

 

Cidade das Sombras (1998) Dark City - 1 h 40 min

Quando John Murdoch acorda num quarto de hotel desconhecido, descobre que é procurado por uma série de assassínios brutais. O problema é que ele não se lembra de nada. Perseguido pela polícia e atormentado por estranhos seres misteriosos, que possuem a capacidade de parar o tempo e alterar a realidade, John procura descobrir o enigma da sua identidade. Mas numa cidade onde a realidade é a maior ilusão, descobrir a verdade pode ser fatal.

Cidade das Sombras (1998) - IMDb

Dir: Alex Proyas

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LEG: Português

IMDB: 7,6   METASCORE: 6,6

77%Tomatometer92 Reviews   85%Popcornmeter

Certified fresh score. Consenso dos críticos

Elegantemente sombrio, Dark City oferece um turbilhão polarizador de visuais cativantes e ação noir.

País: Austrália, Kiefer Sutherland, Jennifer Connelly, William Hurt

Marcas da Violência (2005) A History of Violence - 1 h 36 min

Filme incluso na mostra da Filmoteca Seu Manolo:

VALE O PLAY: HBO Max - Edição 1

Marcas da Violência (2005) - IMDb

Dir: David Cronenberg

Gângster, Suspense Psicológico, Ação, Crime, Drama

Filmoteca Seu Manolo

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AVALIAÇÕES:

IMDB: 7,4   METASCORE: 8,2

Letterboxd: 7,4   Flick Metrix: 77

88%Tomatometer222 Reviews

Parece um filme simples. É um dos mais perturbadores da sua década.

O ponto de partida e a armadilha que ele esconde

Tom Stall tem uma lanchonete numa pequena cidade de Indiana. É amado pela comunidade, tem uma família feliz, uma vida sem complicações visíveis. Quando dois criminosos invadem o estabelecimento numa noite, Tom os mata com uma eficiência que surpreende todo mundo, inclusive ele mesmo. A cobertura da imprensa transforma Tom num herói local. E então um homem de Filadelfia chamado Carl Fogarty começa a aparecer na cidade dizendo conhecer Tom de outro lugar.

David Cronenberg poderia ter filmado isso como thriller de ação sobre um homem comum forçado a proteger a família. Recusa essa possibilidade desde o início. O que Cronenberg examina é algo mais fundamental e mais incômodo: o que a violência é na América, de onde ela vem, e o que acontece quando alguém que a usa com eficiência extrema tenta convencer a si mesmo e aos outros de que essa eficiência não diz nada sobre quem é.

Viggo Mortensen e a performance em dois registros

Viggo Mortensen interpreta Tom com uma quietude que é ela mesma a escolha mais precisa do filme: Tom é um homem que aprendeu a não chamar atenção, que reduziu sua presença ao mínimo necessário para não ser percebido. Quando a violência aparece, ela vem de um lugar que está abaixo dessa quietude, de uma profundidade que Tom reconhece imediatamente mesmo que a câmera só revele gradualmente para o espectador.

A segunda metade do filme exige que Mortensen opere num registro completamente diferente, e a transição entre os dois é filmada por Cronenberg com uma brutalidade que não oferece nenhuma moldura confortável. O espectador que chegou se identificando com Tom precisa recalibrar tudo o que construiu nas primeiras cenas, e esse recalibramento é desconfortável de um jeito que o filme calculou com precisão.

Maria Bello e Ed Harris

 Maria Bello interpreta Edie, a esposa de Tom, e o que ela faz com o personagem é o trabalho mais invisível e mais necessário do filme: Edie é a consciência moral da narrativa, a pessoa que o espectador acompanha enquanto descobre as mesmas coisas que Tom sabia desde o início. A cena de sexo no meio do filme, que foi discutida extensamente pela crítica, é uma das mais perturbadoras precisamente porque Bello a joga em dois planos ao mesmo tempo, e o filme não resolve a contradição que ela instala.

Ed Harris como Fogarty é a presença que organiza toda a segunda metade: um homem com olho de vidro que aparece numa cidade pequena sabendo exatamente quem está procurando. Harris faz com que cada cena em que Fogarty aparece funcione simultaneamente como ameaça concreta e como revelação de algo sobre Tom que o espectador ainda não está preparado para nomear completamente.

O que Cronenberg está dizendo

Cronenberg passou a carreira examinando o que está escondido dentro dos corpos e das estruturas que chamamos de normais: em Videodrome, era a tecnologia; em A Mosca, era a transformação física; em Crash, era o desejo. Em Marcas da Violência, é a violência como herança americana, como algo inscrito na cultura e nos corpos que a perpetuam independentemente de quanto tempo passem longe dela.

O final do filme é deliberadamente incompleto: a última cena deixa uma pergunta aberta que o espectador responde com o que aprendeu ao longo da narrativa. Cronenberg confia que quem chegou até ali tem o que precisa para entender o que está sendo dito, mesmo que seja difícil de nomear.

Onde assistir: Marcas da Violência está disponível em streaming no Brasil: Marcas da Violência - Onde assistir. Um filme que parece terminar e continua trabalhando depois que acaba.

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