Comer Beber Viver (1994) Yin shi nan nu - 2 h 4 min

DO PRAZER AO PODER: 7 Filmes sobre o que a Comida Revela

Um chef sênior vive com suas três filhas adultas; a do meio tem seus planos futuros afetados por eventos inesperados e pelas mudanças de vida dos outros membros da casa.

Comer Beber Viver (1994) - IMDb
Dir: Ang Lee

Comédia Peculiar, Comédia Romântica, Drama no Trabalho

Onde assistir

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 7,8   METASCORE: 8,0

88%Tomatometer49 Reviews   92%Popcornmeter

Todo domingo ele cozinha para as filhas. Todo domingo elas preferem estar em outro lugar. A comida é a única linguagem que ainda funciona entre eles.

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O jantar como ritual de família

Ang Lee abriu Comer Beber Viver com uma sequência de culinária que dura vários minutos e não tem diálogo. Um chef veterano prepara um jantar elaborado para as três filhas, e a câmera observa cada corte, cada chama, cada detalhe com uma atenção que seria excessiva se não fosse tão precisa. Lee está dizendo, antes de qualquer palavra, que este homem fala pela comida. E que o jantar semanal é a única forma que ele conhece de manter a família unida num mundo que vai se dispersando.

O chef que perdeu o paladar

Chu é um dos grandes paradoxos do cinema gastronômico: um cozinheiro extraordinário que perdeu a capacidade de sentir o sabor da própria comida. Lee usa essa condição física como metáfora emocional com uma sutileza que evita o óbvio. Chu não perdeu apenas o paladar, perdeu a conexão com o que cozinha e, por extensão, com quem cozinha. O jantar de domingo é ao mesmo tempo um ato de amor e uma forma de distância, um ritual que une e que impede o contato real.

Três filhas, três formas de partir

Cada filha representa uma geração e uma forma diferente de se relacionar com a tradição. A mais velha se refugia na religião, a do meio abraça a modernidade ocidental, a mais nova ainda não sabe o que quer. Lee conduz as três histórias paralelas com uma economia narrativa admirável, sem forçar paralelos e sem moralizar. O que emerge é um retrato de uma família em transição numa sociedade em transição, onde a culinária tradicional sobrevive como último elo com o que estava se perdendo.

A virada que ninguém esperava

Comer Beber Viver reserva para o final uma reviravolta que reposiciona completamente o personagem do pai. Lee a entrega com uma leveza que contrasta com o peso dramático acumulado, e o efeito é de uma libertação genuína. O chef que cozinhava para manter encontra, no gesto mais simples, a reconexão que havia perdido. É um final que o filme inteiro preparou sem que o espectador percebesse, e que Ang Lee serve com a precisão de quem sabe exatamente o momento certo para colocar o prato na mesa.

O Abrigo (2011) Take Shelter - 2 h 01 m

Atormentado por uma série de visões apocalípticas, um jovem marido e pai questiona se deve proteger sua família de uma tempestade que se aproxima ou de si mesmo.

O Abrigo (2011) - IMDb
Dir: Jeff Nichols

Drama no Trabalho, Drama Psicológico, Suspense Psicológico

Onde assistir

CLC Score: 7,9

Ele sente que algo vai acontecer. Não sabe o quê. Não sabe quando. Mas sente.

A ansiedade sem objeto

Take Shelter começa com uma chuva estranha e termina com uma pergunta que o filme se recusa a responder. Curtis LaForche tem visões de uma tempestade apocalíptica que pode ser profecia ou sintoma de esquizofrenia, a mesma doença que destruiu sua mãe. Jeff Nichols constrói o filme nessa ambiguidade com uma paciência rara, sem jamais resolver a tensão num sentido ou noutro. O resultado é o retrato mais preciso que o cinema recente produziu sobre aquela sensação específica de que algo muito errado está por vir, sem que ninguém consiga nomear o quê.

O homem que prepara o que não pode explicar

Curtis começa a construir um abrigo no quintal de casa. Gasta dinheiro que não tem, pede emprestado equipamentos, afasta os amigos e coloca o emprego em risco. A família não entende. A comunidade começa a desconfiar. E Curtis não consegue justificar nada porque a ameaça que ele sente não tem forma, não tem data e não tem fonte verificável. Nichols filma esse comportamento sem ironia e sem patologia declarada — e é exatamente essa recusa em patologizar que torna o personagem tão inquietante e tão reconhecível.

Michael Shannon e o peso do pressentimento

Michael Shannon entrega uma atuação que opera quase inteiramente no não dito. Curtis é um homem de poucas palavras numa região onde homens não falam sobre o que sentem, e Shannon carrega o filme inteiro num olhar que oscila entre a convicção e o terror de estar errado. Há uma cena num jantar comunitário onde ele finalmente explode, e o que sai não é raiva: é desespero de quem passou tempo demais tentando conter algo que não cabe dentro de uma pessoa. É uma das melhores cenas do cinema americano dos últimos vinte anos.

A família como testemunha e como custo

Samantha, interpretada por Jessica Chastain, existe no filme como a pessoa que ama Curtis o suficiente para tentar entender o que está acontecendo e não tem ferramentas para isso. A relação entre os dois não é de conflito dramático convencional: não há acusações, não há cenas de ruptura espetacular. Há o desgaste silencioso de conviver com alguém que está sofrendo de um modo que você não consegue alcançar. Nichols filma esse desgaste com a mesma paciência que filma o resto, e o resultado é um retrato de como a ansiedade de uma pessoa ressoa e se distribui pelos que estão ao redor.

Profecia ou loucura

Take Shelter ressoa tão fundo hoje porque captura algo que a ansiedade coletiva contemporânea conhece bem: a sensação de que os sinais estão em todo lugar mas ninguém está fazendo a leitura certa, ou que quem faz a leitura certa é tratado como louco até que seja tarde demais. Nichols não responde se Curtis está certo ou errado. Mas o final do filme entrega algo mais perturbador do que qualquer resposta: a possibilidade de que as duas coisas sejam verdade ao mesmo tempo. 

Onde assistir e o que esperar

O filme está disponível em plataformas com disponibilidade variável e na Filmoteca Seu Manolo. A fotografia de Adam Stone usa a luz do meio-oeste americano com uma qualidade quase pictórica que contrasta com o conteúdo, e a trilha de David Wingo e Jeff Grace sustenta o tom sem forçar a tensão. O filme pede paciência e recompensa quem não tenta resolver a ambiguidade antes que o filme decida sobre ela, o que, de certa forma, nunca acontece completamente. 

A ansiedade sem objeto

Take Shelter representa a forma mais pura da ansiedade do futuro: aquela que não tem objeto identificável, que não sabe ao certo o que teme, apenas que algo está por vir. Nichols coloca primeiro a experiência bruta, o medo anterior a qualquer evidência, a ansiedade que precede a catástrofe sem precisar da catástrofe para existir.

Eles Vivem (1988) They Live - 1 h 34 min

NINGUÉM TE EXPLICOU AS REGRAS DESTE NOVO MUNDO: 7 Filmes que Tentaram.

John Nada (Roddy Piper) é um trabalhador braçal que chega a Los Angeles e encontra trabalho numa fábrica. Durante uma inusitada operação repressiva, a polícia destrói um quarteirão inteiro do bairro miserável em que vive. Na confusão Nada encontra óculos escuros aparentemente comuns, porém ao usá-los consegue enxergar horrendas criaturas alienígenas disfarçadas de seres humanos, bem como as mensagens subliminares que elas transmitem através da media em geral. Nada percebe que os invasores já estão controlando o planeta e, juntamente com seu companheiro de trabalho Frank (Keith David), decide se engajar no movimento de resistência, que é perseguido como subversivo pela polícia.

Eles Vivem (1988) - IMDb
Dir: John Carpenter

Ação, Comédia de Humor Negro, Invasão Alienígena, Suspense Psicológico, Thriller Político, Ficção Científica, Horror

Onde assistir

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,2   METASCORE: 5,5

Flick Metrix: 74   Criticker Average Percentile: 58%

86%Tomatometer76 Reviews   80%Popcornmeter

They Live

Os óculos não mostram o futuro. Mostram o presente sem filtro.

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O filme que virou meme e não perdeu o dente

They Live é um dos filmes mais citados da cultura pop contemporânea e um dos menos assistidos na íntegra. A cena dos óculos que revelam mensagens subliminares em outdoors e rostos alienígenas por trás das aparências humanas se tornou referência universal para qualquer conversa sobre manipulação e controle. Mas Carpenter fez muito mais do que uma metáfora visual esperta: fez um filme raivoso sobre classe, sobre quem define as regras e sobre o custo de enxergar o que os outros preferem não ver.

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A briga mais longa do cinema

They Live tem uma cena de luta que dura quase seis minutos e que se tornou lendária por razões que vão além do humor. Roddy Piper tenta convencer o amigo a colocar os óculos. O amigo se recusa com uma violência desproporcional. Carpenter filma a resistência à revelação como algo físico, instintivo e quase irracional. Porque saber a verdade tem um preço, e muitas pessoas preferem inconscientemente não pagar. A cena é cômica e profundamente séria ao mesmo tempo.

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A crítica que não envelhece

Carpenter fez They Live como resposta direta ao thatcherismo e ao reaganismo — a ideia de que o consumismo e a desigualdade eram vendidos como estilo de vida desejável enquanto destruíam as bases da classe trabalhadora. Mas a crítica transcendeu o contexto histórico porque a lógica que ele descreveu não pertence a uma época. Pertence a um modelo. E esse modelo continua operando com eficiência, agora com algoritmos no lugar de outdoors e plataformas no lugar de televisão.

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Ver ou não ver

A pergunta central de They Live não é o que está por trás da realidade. É o que você faz quando descobre. O protagonista coloca os óculos e não consegue mais tirá-los, não porque esteja preso a eles, mas porque a ignorância deixou de ser uma opção disponível. Carpenter não oferece saída fácil nem movimento de resistência organizado. Oferece um homem sozinho com a verdade e a pergunta que fica depois dos créditos: saber muda alguma coisa?

 

Amigos, Amigos, Negócios à Parte (1981) Buddy Buddy - 1 h 36 min

BILLY WILDER: O Cinismo como Método

Durante um caso de depoimento de alto perfil da máfia no Condado de Riverside, na Califórnia, um assassino contratado se hospeda em um quarto de hotel perto do tribunal, enquanto seu vizinho deprimido quer cometer suicídio por causa de problemas conjugais.

Amigos, Amigos, Negócios à Parte (1981) - IMDb
Dir: Billy Wilder

Farsa, Comédia

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / SD / LEG: Português

IMDB: 6,5

Flick Metrix: 60   Criticker Average Percentile: 42%

63%Tomatometer16 Reviews   43%Popcornmeter

Um assassino profissional. Um homem que quer morrer. O problema é que eles ficaram no mesmo andar.

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O fim de uma era

Buddy Buddy foi o último filme de Billy Wilder, e carrega esse peso com uma estranheza que não é exatamente falha. É o trabalho de um diretor que havia dito tudo o que tinha a dizer e ainda assim voltou mais uma vez, talvez por hábito, talvez por teimosia. A crítica foi impiedosa na época e o público ignorou. Revisitado hoje, o filme revela camadas que o desconforto inicial escondia: é uma comédia sobre a morte feita por alguém que sabia que estava se despedindo.

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A dupla no limite

Lemmon e Matthau estavam juntos pela quinta vez, e a familiaridade entre os dois é ao mesmo tempo o maior trunfo do filme e o seu desafio. Há uma confortável maestria mútua, dois músicos que tocam a mesma peça de memória. Matthau como assassino frio e Lemmon como homem desesperado à beira do suicídio formam um par que só funciona porque ambos sabem exatamente até onde podem ir.

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A comédia que tropeça em si mesma

Nem tudo funciona, e seria desonesto dizer o contrário. O roteiro tem momentos de descompasso, e alguns gags se esticam além do necessário. Mas há nessa imperfeição algo que, com o tempo, se torna quase afetuoso. Wilder sempre soube que o humor verdadeiro mora no atrito, no que não encaixa direito. E há cenas em Buddy Buddy onde esse atrito produz lampejos do melhor que ele já fez, como relíquias de um estilo que o cinema foi esquecendo enquanto ele ainda filmava.

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O que fica depois do último corte

Encerrar uma carreira com uma comédia imperfeita sobre um homem que quer morrer e não consegue tem uma ironia que Wilder certamente apreciaria. Ele viveu até os 95 anos, lúcido e mordaz até o fim, sem fazer outro filme depois desse. Buddy Buddy não é o encerramento glorioso que a filmografia merecia, mas é um encerramento honesto. E Wilder sempre preferiu a honestidade ao conforto. Ver o filme sabendo que é o último muda tudo. De repente, cada cena importa de um jeito diferente.

 

Fedora (1978) - 1 h 56 min

BILLY WILDER: O Cinismo como Método

Barry ''Dutch'' Detweiler, produtor de Hollywood, tenta atrair Fedora.

Fedora (1978) - IMDb
Dir: Billy Wilder

Drama do Mundo do Espetáculo, Tragédia, Romance

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 6,8

Flick Metrix: 69   Criticker Average Percentile: 51%

72%Tomatometer18 Reviews   63%Popcornmeter

Hollywood sabe fabricar deusas. O que não sabe é o que fazer quando elas se recusam a envelhecer.

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O espelho de Crepúsculo dos Deuses

Quase trinta anos depois de Sunset Blvd., Wilder voltou ao tema que mais o assombrava: a indústria que cria mitos e depois os abandona. Fedora é frequentemente lido como o irmão mais sombrio daquele filme, e a comparação faz sentido, mas é também uma simplificação. Aqui Wilder não tem mais a raiva jovem de 1950. Tem algo mais pesado e mais difícil de nomear, uma lucidez cansada sobre o tempo, a beleza e o preço que se paga para preservar ambos.

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O segredo por trás da máscara

A premissa gira em torno de uma estrela que parece não envelhecer, cercada de mistério e isolamento numa ilha grega. Um produtor falido vai até ela em busca de um último projeto. O que ele encontra é uma verdade que Wilder revela com a estrutura de um thriller e a sensibilidade de um réquiem. A reviravolta no centro do filme é uma declaração sobre o que o culto à juventude exige das mulheres, e sobre quem paga a conta no final.

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William Holden e o peso dos anos

Wilder escalou William Holden para o papel do produtor, e a escolha carrega um peso que vai além da atuação. Holden havia protagonizado Sunset Blvd. em 1950, e vê-lo aqui, visivelmente marcado pelo tempo, adiciona uma camada de melancolia que nenhum roteiro poderia escrever. É como se Wilder estivesse dizendo que todos nós, inclusive os que ficaram atrás das câmeras, somos engolidos pela mesma máquina. A auto-convivência do gesto é comovente e perturbadora ao mesmo tempo.

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O último grande gesto

Fedora foi ignorado na época e continua sendo um dos títulos menos vistos da filmografia de Wilder. É um erro que o tempo vai corrigindo devagar. Há nesse filme uma tristeza adulta e sem concessões que só aparece na obra de quem viveu o suficiente para não precisar mais fingir. Wilder tinha 72 anos quando o fez. Sabia exatamente o que estava filmando, e sabia também que poucos iriam entender na hora. Às vezes o cinema mais honesto é o que chega mais tarde.

 

Avanti! Amantes à Italiana (1972) Avanti! - 2 h 24 min

BILLY WILDER: O Cinismo como Método

Um empresário de sucesso vai à Itália para providenciar a extradição do corpo de seu pai magnata, mas descobre que o pai morreu com sua amante de longa data.

Avanti! Amantes à Italiana (1972) - IMDb
Dir: Billy Wilder

Romance Alegre, Comédia

Onde assistir

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,1

Flick Metrix: 71   Criticker Average Percentile: 54%

79%Tomatometer24 Reviews   76%Popcornmeter

O pai morreu na Itália com um segredo. O filho foi buscar o corpo e encontrou outra coisa.

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A ilha como antídoto

Wendell Armbruster Jr. chega a Ischia como chega a qualquer lugar: apressado, arrogante, com a agenda cheia e a sensibilidade bloqueada. É um americano de manual, o tipo que mede tudo em eficiência e não entende por que o mundo não funciona no mesmo ritmo que ele. Wilder escolheu a ilha italiana como cenário com a precisão de quem sabe que o lugar também é personagem. Ischia além de bela, é deliberadamente lenta, e essa lentidão vai corroendo Wendell por dentro até que algo cede.

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Os filhos do que os pais esconderam

Wendell e Pamela foram buscar os corpos dos próprios pais, mortos juntos num acidente de carro. E aos poucos descobrem que esses pais tinham uma vida paralela, um amor que durava anos e que nunca foi contado para ninguém. Wilder trata essa revelação sem julgamento e sem sentimentalismo fácil. O que os pais fizeram não é condenado nem glorificado. Simplesmente existia, com a teimosia silenciosa das coisas verdadeiras. E os filhos precisam decidir o que fazem com isso.

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A comédia do desencontro

Jack Lemmon e Juliet Mills constroem uma das relações mais inesperadamente tocantes da filmografia de Wilder. Ele é tenso, ela é expansiva. Ele conta calorias, ela come com prazer. Ele quer resolver, ela quer entender. O romance que nasce entre eles não é conveniente nem acelerado. Wilder deixa o tempo da ilha fazer o trabalho, e o humor que emerge do atrito entre os dois tem aquela qualidade rara de fazer rir sem diminuir ninguém.

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O que se herda sem saber

Avanti! é um dos filmes mais generosos de Wilder, e talvez por isso tenha sido ignorado por tanto tempo. Não há vilões, não há traições, não há cinismo de superfície. O que há é um homem que chega num lugar para encerrar um assunto e parte com outro aberto, maior e mais incômodo. A herança que Wendell leva não cabe em inventário. É a descoberta de que seu pai era humano, e que ser humano significa muito mais do que ele havia aprendido a aceitar.

 

A Vida Íntima de Sherlock Holmes (1970) The Private Life of Sherlock Holmes - 2 h 05 min

BILLY WILDER: O Cinismo como Método

Quando um entediado Holmes ansiosamente aceita o caso de Gabrielle Valladon, após um atentado contra sua vida, a busca pelo marido desaparecido o leva ao Lago Ness e ao monstro lendário.

A Vida Íntima de Sherlock Holmes (1970) - IMDb
Dir: Billy Wilder

Aventura, Comédia, Crime, Mistério, Romance, Suspense

Onde assistir

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD- / LEG: Português

IMDB: 7,0   METASCORE: 7,5

Flick Metrix: 69   Criticker Average Percentile: 53%

87%Tomatometer30 Reviews   73%Popcornmeter

O maior detetive do mundo consegue resolver qualquer mistério, menos o que sente.

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O filme que Wilder não pôde fazer

The Private Life of Sherlock Holmes nasceu como um épico de três horas e chegou aos cinemas com menos da metade disso. O estúdio cortou episódios inteiros, incluindo uma sequência considerada por Wilder como a mais bonita que já havia filmado. O que sobrou é ao mesmo tempo um filme incompleto e uma obra-prima discreta, uma daquelas raridades que a indústria mutilou e o tempo tratou de restaurar na memória dos que amam cinema de verdade.

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Holmes sem a armadura

Wilder não estava interessado nos casos. Estava interessado no homem. O seu Holmes, interpretado por Robert Stephens com uma melancolia contida, é alguém que usa a lógica como escudo contra tudo aquilo que não consegue controlar: a emoção, o desejo, a vulnerabilidade. A cocaína é uma fuga. O desdém pelas mulheres é medo. Wilder desmonta o mito peça por peça com o cuidado de quem admira o que está desmontando.

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A mulher que ele não devia encontrar

Quando Gabrielle entra na história, o filme muda de temperatura. Ela é encantadora, misteriosa e, como quase todas as mulheres em Wilder, muito mais do que aparenta. A relação entre os dois é construída com uma delicadeza incomum para o diretor, cheia de não ditos e olhares que carregam mais peso do que qualquer diálogo. E quando a verdade sobre ela chega, o golpe é preciso e silencioso. Wilder nunca foi tão gentil ao partir um coração.

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A despedida que ninguém percebeu

Com o distanciamento dos anos, fica claro que The Private Life of Sherlock Holmes é também um filme sobre o fim das ilusões, o tipo de obra que um diretor faz quando já não precisa provar nada mas ainda tem muita coisa a dizer. O Loch Ness está lá, a espionagem está lá, mas o que fica é outra coisa: a imagem de um homem brilhante sentado numa poltrona, sozinho, tocando violino para ninguém. Wilder entendeu Holmes porque se reconhecia nele.

 

Uma Loura por um Milhão (1966) The Fortune Cookie - 2 h 05 min

BILLY WILDER: O Cinismo como Método

Um advogado corrupto convence seu cunhado a fingir ferimentos graves.

Uma Loura por um Milhão (1966) - IMDb
Dir: Billy Wilder

Comédia de Humor Negro, Farsa, Sátira, Romance

Onde assistir

Filmoteca Seu Manolo

MP4 / HD / LEG: Português

IMDB: 7,2   METASCORE: 6,3

Flick Metrix: 73   Criticker Average Percentile: 57%

96%Tomatometer28 Reviews   80%Popcornmeter

Numa terra de oportunidades, simular uma lesão é só mais um plano de negócios.

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O nascimento de uma dupla

The Fortune Cookie marcou o primeiro encontro entre Jack Lemmon e Walter Matthau — dupla que definiria uma era da comédia americana. Matthau ganhou o Oscar de coadjuvante e roubou cada cena em que apareceu, com uma presença tão desgrenhada e magnética que parece ter nascido para o personagem. Mas o filme é mais do que uma química feliz entre dois atores. É o diagnóstico mais cínico que Wilder já fez de um país que transforma qualquer coisa, inclusive a dor, em produto negociável.

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A anatomia de um golpe doméstico

Harry Hinkle leva uma pancada acidental num jogo de futebol americano e sai ileso. Seu cunhado, o advogado Willie Gingrich, enxerga ali uma fortuna a ser extraída via processo judicial. O plano é simples: fingir paralisia, processar a seguradora e dividir o lucro. Wilder e I.A.L. Diamond constroem o esquema com uma lógica quase didática, como se estivessem explicando, passo a passo, como a ganância funciona quando se veste de família e solidariedade.

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O homem que não devia importar

No centro do filme há um personagem que o roteiro poderia ter ignorado: Luther, o jogador negro que acidentalmente derrubou Harry e passa o resto da história carregando uma culpa que não é sua. Wilder o trata com uma delicadeza rara para Hollywood em 1966, transformando essa relação improvável num dos poucos momentos de afeto genuíno do filme. Enquanto todos os outros personagens calculam, Luther simplesmente se importa. E isso, num universo de Wilder, é quase revolucionário.

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A comédia como radiografia

The Fortune Cookie não é o Wilder mais celebrado, mas talvez seja o mais preciso sobre o espírito americano. A litigância como estilo de vida, a mídia que transforma sofrimento em espetáculo, o advogado que vende ilusões com a desenvoltura de um vendedor de carros usados. Wilder filmou tudo isso em preto e branco num momento em que Hollywood já havia migrado para a cor, como se quisesse dizer: para enxergar essa história com clareza, é melhor tirar o excesso.